Warum haben wir Museen?

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Museen sind seit über 2.000 Jahren Teil der Menschheitsgeschichte – aber sie waren nicht immer wie die, die wir heute besuchen. Maranto deckt die Entwicklung der Museen auf, vom ersten Museum im Jahr 530 v. Chr. (kuratiert von einer Prinzessin) bis hin zu den Freak-Shows von P.T. Barnum (1810-1891 CE) und darüber hinaus.

Lektion von J. Maranto. Animation von Saddam Media.

Vollständige Lektion anzeigen: http://ed.ted.com/lessons/why-do-we-have-museums-j-v-maranto


Gehören historische Gegenstände in ihr Herkunftsland?

Vier Historiker betrachten eine der umstrittensten Fragen der Museen und Galerien des Westens.

Artefakte müssen nicht „zurückgegeben“ werden

Tiffany Jenkins, Autor von Ihre Murmeln behalten: Wie die Schätze der Vergangenheit in Museen landeten – und warum sie dort bleiben sollten (Oxford, 2016)

Als vor 3000 Jahren Bildhauer im assyrischen Reich für König Ashurnasirpal II. zu geflügelten, menschenköpfigen Stieren gemeißelt wurden, konnten sie sich nicht träumen, dass ihre Kreationen Jahrhunderte später in Museen Tausende von Kilometern entfernt enden würden. Die fünfbeinigen Alabaster-Bestien waren nicht für hell erleuchtete Galerien gemacht. Selbst wenn wir wollten, wäre es nicht möglich, sie an ihren Herkunftsort zurückzubringen.

Das antike Assyrien von 883 v. Chr. unterscheidet sich stark vom modernen Nordirak aus dem 5. Der Hof von Benin, der die Benin-Bronzen in Auftrag gegeben hat, ähnelt kaum dem heutigen Nigeria.

Alle Artefakte, die wir heute betrachten, wurden für jemand anderen und für einen anderen Zweck hergestellt: um die Mächtigen zu verehren oder für den gewöhnlichen Haushalt zu verwenden. Unabhängig von der Absicht geht ein Objekt bald nach der Herstellung aus den Händen des Schöpfers in die Hände anderer über – Gönner, Familie, Freunde, Diebe – neue Besitzer, durchquert Kontinente und Jahrhunderte und ändert seine Nutzung.

Doch in den verbliebenen Skulpturen, Tafeln und Schnitzereien finden sich Reste ihrer Herkunft. Artefakte müssen dafür nicht „zurückgegeben“ werden. Wie Zeitmaschinen können antike Artefakte, die im London, Tokio oder Senegal des 21. Die Entscheidung, wo antike Artefakte platziert werden sollen, sollte nicht auf die Jagd nach unmöglicher historischer Authentizität, Reue für die Vergangenheit (jetzt in Mode) oder ethnischer Zugehörigkeit (zeitweilig beliebt) reduziert werden, sondern wo das Objekt am besten ist.

Eine erschreckende Skulptur, einst ein Objekt der Herrschaft oder Hingabe, wird in einer Galerie zu einem Objekt der Erleuchtung, Schönheit oder eines sozialen Textes, der gelesen werden muss. Neben anderen Artefakten aus unterschiedlichen Zeiten und Orten kann es Fragen provozieren, Zusammenhänge veranschaulichen und eine gehobene Bedeutung erlangen. Das ist der Wert von Museen.

Es ist Zeit für Museen, ihre Arbeit zu tun

Marie Rodet, Senior Lecturer in the History of Africa, SOAS, University of London

Artefakte, die während des Kolonialismus aus Afrika, Asien, dem Nahen Osten, Ozeanien und Amerika entnommen wurden, gehören und sollten in ihre Herkunftsländer zurückgebracht werden. Die meisten der weltweiten Artefakte, die sich heute in europäischen Museen befinden, wurden entweder geplündert oder zu einem Wert gekauft, der weit unter dem europäischen Kunstmarktpreis zum Zeitpunkt ihres Erwerbs lag.

Ein Argument für die Aufbewahrung dieser Gegenstände ist, dass ihr Herkunftsort unbekannt oder mehrdeutig ist – es wäre unmöglich zu wissen, an wen und wo sie zurückgegeben werden sollen. Dies ist ein trügerisches Argument, das bestätigt, dass Galerien, Museen und private Sammler sich nie die Mühe gemacht haben, die Geschichte der in ihrem Besitz befindlichen Artefakte zu kennen, oder schlimmer noch, sie kennen die Umstände, unter denen sie sich befanden, aber sie wollen es nicht anerkennen erworben. Diese Galerien, Museen und privaten Sammler waren (und sind) nur an ihrem ästhetischen Wert und ihrer „Alterität“ interessiert, mit der ständigen Annahme – insbesondere im Fall Afrikas –, dass der Kontinent wenig „echte“ Geschichte hat. Ich bin erstaunt, wie viele Fehler ich sowohl bei kleinen als auch bei prominenten Ausstellungen afrikanischer Artefakte in europäischen Galerien finde. Eine prominente Pariser Privatsammlung verwechselte beispielsweise einen Dogon mit einem Bambara-Artefakt, und in einer kürzlich in London durchgeführten großen Ausstellung gab es Ungenauigkeiten in der Version der Geschichte der mittelalterlichen Reiche Westafrikas.

Die Geschichte dieser Artefakte umfasst ihre Plünderung und ihren Handel. Dies anzuerkennen würde jedoch unethische Erwerbspraktiken hervorheben. Dies ist nicht spezifisch für während des Kolonialismus erworbene Artefakte, sondern ein allgemeineres Problem der ungleichen Beziehungen zwischen Künstlern und Sammlern, die im Zeitalter der kolonialen Plünderung in einen starken Kontrast geraten sind. Es ist an der Zeit, dass Galerien, Museen und Sammler ihre Arbeit machen und die genaue Geschichte der in ihrem Besitz befindlichen Artefakte nachzeichnen und sie im Rahmen eines Wiedergutmachungsprozesses an die Länder zurückgeben, die Opfer des europäischen Kolonialismus und Imperialismus wurden.

Diese Reparationen sollten auch die Finanzierung von Schulungsprogrammen zur Erhaltung von Objekten in ihren Herkunftsländern umfassen. Wenn die Nationalgalerien in Afrika, Asien, Südamerika oder manchmal sogar in Europa schlecht vorbereitet erscheinen, liegt dies daran, dass ihnen bisher keine Chance gegeben wurde, sich den Herausforderungen der Erhaltung zu stellen. Die Rückgabe der Artefakte der Welt ist eine gute Gelegenheit, die Kulturerbekapazitäten der während der Kolonialisierung geplünderten Länder zu stärken.

Rückführung wirft Fragen auf, die sich pauschalen Antworten widersetzen

Ioannis D. Stefanidis, Professor für Diplomatische Geschichte, Aristoteles-Universität Thessaloniki

Nur wenige Artefakte fassen die Komplexität dieser Frage besser zusammen als die „Pferde des Heiligen Markus“. Diese Kupferstatuen von vier Pferden, die unterschiedlich in die klassische griechische oder römische Antike datiert wurden, fanden im 4. St.-Markus-Basilika und auf dem Arc de Triomphe in Paris von Napoleon im Jahr 1797 aufgestellt und nach Waterloo nach Venedig zurückgekehrt, wo sie bleiben. In jüngerer Zeit wurden ein oder mehrere von ihnen in verschiedenen Städten im Ausland und in Mailand ausgestellt, bevor sie 1982 als Vorsichtsmaßnahme gegen weitere Schäden durch Luftverschmutzung in das St. Mark verlegt wurden.

Das Schicksal der Pferde wirft eine Reihe von Fragen auf, die in unzähligen Fällen von beanspruchtem Kulturgut auf der ganzen Welt vorkommen. Zuerst muss man ihren Herkunftsort feststellen: Dies könnte entweder ein Teil Griechenlands oder, plausibler, Italien sein. Man könnte argumentieren, dass sie, unabhängig davon, wo ihre Gießerei lag, in Konstantinopel ausgestellt werden sollten. Dort symbolisierten sie fast neun Jahrhunderte lang reiterliches Können. Sie wurden zwar als Kriegsbeute nach Venedig gebracht, aber sie wurden für weitere neun Jahrhunderte zu einem festen Bestandteil des religiösen Lebens dieser Stadt. Ihr erzwungener Pariser Aufenthalt scheint ihre Identifikation mit der Lagunenstadt zu unterstreichen, deren Umgebung sich jedoch als ätzend erwiesen hat.

Wer hat dann Anspruch auf „Rückführung“ vor dem Zwischenstaatlichen Komitee der UNESCO? Könnten sich die zweiten Plünderer, die Franzosen, qualifizieren? Nach internationalem Recht ist Plünderung heute illegal und wurde 1797 weitgehend abgelehnt, obwohl man sich über den Unterschied zwischen Napoleons Diebstahl der Pferde und der Veruntreuung der Venezianer seit 1204 wundern könnte. Die Zeit bietet eine einfache Antwort. Dies würde nahelegen, dass Konstantinopel oder seine moderne Inkarnation Istanbul in Betracht gezogen werden sollten. Könnten die Türken die Pferde aufgrund ihrer Verbindung zu einem bestehenden Denkmal, dem Hippodrom, trotz ihrer neun Jahrhunderte langen Abwesenheit und der Tatsache, dass sie nicht genau mit dem osmanischen oder türkischen Kulturerbe verbunden sind, „zurück“ beanspruchen? Die Rückführung von Artefakten, die von ihrem Herkunftsort entfernt wurden, bevor eine solche Praxis im 20. Jahrhundert schrittweise verboten wurde, wirft Fragen auf, die sich pauschalen Antworten entziehen.

Kein Problem erfordert eine sorgfältigere Betrachtung

Nicholas Thomas, Direktor des Museums für Archäologie und Anthropologie, Cambridge

Es hängt davon ab, ob. Im Bereich der Kultur bedarf keine Frage einer sorgfältigeren Einzelfallprüfung. Die Frage nach den ethnografischen Sammlungen wurde oft gestellt, die durch die ehrgeizigen, ja raubgierigen Sammlungen im Zusammenhang mit dem europäischen Kolonialhandel und der Wissenschaft im späten 19. Jahrhundert riesig wurden. Wer davon ausgeht, dass Sammlungen eine Art Coda für das imperiale Unternehmen sind, ein angemessener Schwerpunkt für Wiedergutmachung und Restitution, mag jedoch überrascht sein zu erfahren, dass indigene Völker – zum Beispiel in Teilen des Pazifiks – der Repräsentation ihrer Kulturen in renommierten internationalen Museen.

Wenn bekannt ist, dass bestimmte Werke illegal mitgenommen wurden, ist es verständlich, dass ihre Rückgabe eifrig angestrebt wird. Aber diese Werke stellen oft nur eine Minderheit und eine kleine Minderheit der in ethnografischen Museen aufbewahrten Werke dar. Artefakte gelten ansonsten als Botschafter, als Basis für Zusammenarbeit und Forschung. Einige Aktivisten mögen davon ausgehen, dass historische Artefakte in den Herkunftsländern im Wesentlichen fehlen. Aber von Fidschi bis Uganda gibt es bedeutende Museen mit umfangreichen Sammlungen. Wo dies nicht der Fall ist, wo Gemeinschaften keinen Zugang zum historischen Erbe haben, gibt es starke Argumente für die Rückgabe von Werken in Europa.

Ohne Investitionen in Museen, nicht nur in ihre Erhaltungseinrichtungen, sondern auch in nachhaltige Öffentlichkeits- und Bildungsprogramme, kann die Rendite jedoch nicht von öffentlichem Nutzen sein.

Die Frage ist nicht am Ende, wo Artefakte „hingehören“, sondern wo sie kulturell und gesellschaftlich nützlich sein können. Einige Sammlungen sollten an ihre Herkunftsländer zurückgegeben werden, aber Gemeinschaften in Afrika, Ozeanien und anderswo sollten nicht nur Zugang zu ihrem eigenen Erbe, sondern auch zu der Weltkunst haben, die einem multikulturellen Publikum in Europa so zugänglich ist. Historische Artefakte sind nicht nur repräsentativ für die Errungenschaften der Menschheit, sondern auch für das Reisen und den Verkehr, die die Weltordnung geformt haben, in der wir heute alle leben.


Warum unsere Geschichte und Kultur so wichtig sind

Sabyasachi Mukherjee, Generaldirektor des Chhatrapati Shivaji Maharaj Vastu Sanghralaya, Mumbais führendem Museum, erzählt Rediff.com'S Archana Masih warum ein Museumsbesuch besser ist als ein Einkaufszentrum.

Unsere Identität ist unsere Kultur.

Es ist keine Infrastruktur oder Entwicklung. Es gibt viele weiter entwickelte und kleinere Länder mit guter Infrastruktur, aber Indien ist bekannt für sein kulturelles Erbe, seine Vielfalt und seine 5000-jährige Geschichte.

Kultur ist unser Kapital. Kultur ist unsere Identität.

Überall in Indien lässt sich jeder Millimeter mit Kultur messen.

Es gibt so viel zu sehen, dass selbst ein Leben nicht ausreicht.

Es gibt Denkmäler, Geschichte, Traditionen, lebendige Städte und Dörfer, Handwerk, Musik, Essen, Sprache, Trachten – was nicht?

Von Ladakh bis Kanyakumari sind wir ein riesiges Land mit so viel Abwechslung. Überall wartet etwas.

Es gibt 720 Sprachen im Land. Wir haben in den letzten 50 Jahren 200 Sprachen verloren und es besteht die Sorge, dass wir in den nächsten 50 weitere 200 verlieren werden.

Wie wir Sprachen speichern und dokumentieren, ist eine große Herausforderung.

Manche sagen, dass die Menschen aufgrund der Globalisierung der Kultur ihre eigene Sprache vergessen. Die Globalisierung hat zum Verlust vieler Sprachen geführt.

Einerseits sagen wir, dass wir Vielfalt feiern müssen. Auf der anderen Seite gebären wir eine einzige Monokultur.

Die Amerikaner sprechen vom Konzept des "Melting Pot", aber man muss bedenken, dass einige Metalle sehr schnell schmelzen und andere ihre charakteristischen Eigenschaften behalten.

Die Globalisierung lässt sich nicht verhindern. Ich bin nicht gegen die englische oder westliche Kultur. Jede Kultur ist schön, bereichert, aber wir sollten unsere eigene nicht verlieren.

Warum besuchen wir Museen? Um unsere Vergangenheit zu verstehen und die Gegenwart zu kennen. Auf der Suche nach unserer Identität in der Geschichte.

Die Leute vergessen traditionelles Essen. McDonald's und Dominos haben unsere Küchen betreten.

Aus Dörfern werden Städte, aus Städten werden Städte und aus Städten werden Metropolen.

Migranten assimilieren sich in die neue Kultur und verlieren ihre Identität.

Die Globalisierung beginnt mit Handel, Wirtschaft und zieht allmählich in die Kultur ein.

Kultur reist mit Handel. Aber wie schützen wir unsere eigene Kultur – unsere Architektur, Städteplanung, Essen, Kostüme, Möbeldesign? Es wird ein Prototyp.

Wie die hohen Gebäude aus Stahl und Glas.

Argumentiert wird auch über die negativen Auswirkungen der Globalisierung sowie der Technologie- und Machtpolitik. Technologie tötet viele Dinge und fügt viele Dinge hinzu.

Wir schreiben nicht mehr und lassen uns nicht über SMS/WhatsApp-Sprache reden!

Technologie tötet auch Kreativität. Wie zum Beispiel, wie Kreativität fließt, wenn Sie mit dem Stift auf Papier tippen.

Die Briefe meines Vaters und Großvaters habe ich wegen ihrer Sprache erhalten.

Die Worte, Emotionen und Gefühle, die durch geschriebene Worte ausgedrückt werden, können nicht per WhatsApp oder E-Mail ausgedrückt werden.

Schreiben gibt Ihnen Zeit und Raum, um Ihre Gefühle auszudrücken. Auf einer Maschine wird auch Ihr Denken mechanisch.

Indien ist bekannt für seine lebendige Tradition. Unser Handwerk ist 1.000, 1.500 Jahre alt.

Wir haben die Technik und Tradition der Töpferei aus der Zeit des Industals bis heute fortgeführt.

Die Hütten-, Handwerks- und Textilindustrie bietet vielen Arbeitsplätzen, aber in Mumbai, der Textilstadt, haben wir dieses Erbe verloren.

Wir haben nicht einmal ein Textilmuseum in dieser Stadt. Wir haben am CSMVS eine Galerie für Textilien gestartet.

Die Menschen sehen die positive, aber nicht die negative Seite der Globalisierung. Wir verlieren unsere handwerkliche Tradition.

Die Gesellschaft muss sich mit der Zeit weiterentwickeln, aber wir sollten alle mitnehmen.

Wir müssen unser Erbe bewahren, nicht verlieren und sogar einen Teil des verlorenen Erbes wiederbeleben.

Wir müssen Handwerke wie Textil, Blockdruck unterstützen – mit digitaler Technologie kann man Massenproduktion machen, aber Weber und Handwerker verlieren ihre Lebensgrundlage.

Der Betrag, den wir für die Erhaltung und Erhaltung ausgeben, ist der niedrigste im Haushalt der Regierung.

Warum setzen wir den Kultursektor nicht mit anderen Sektoren gleich?

Priorität haben Landwirtschaft, Infrastruktur, Technologie, digitales Indien – warum nicht Kultur?

Der Bericht von Malcolm und Hargreaves von 1936-1937 war die erste und letzte Übersicht über indische Museen und Kulturinstitute. Wenn Sie das lesen, stellen Sie fest, dass es selbst zu britischen Zeiten erbärmlich war.

Die Briten waren nicht sehr an der Erhaltung des indischen Kulturerbes interessiert.

Sie begannen mit Ausgrabungen, Erkundungen, Aufklärung, Errichtung von Schulen, Museen, Kulturinstituten, aber nicht viel. Sie gaben eine Erklärung ab, dass die Regierung den Kulturinstituten nicht viel Aufmerksamkeit schenken könne.

Auch nach der Unabhängigkeit wurde Kultur nie Priorität eingeräumt und so geht es weiter.

Eine Entwicklung der Globalisierung war, dass die indische Mittelschicht begann, fremde Länder zu besuchen. Mit Indiens Aufstieg als Wirtschaftsmacht begannen die Menschen mit der Welt zu interagieren.

Wenn nun die Mittelschicht, die untere Mittelschicht in Singapur, Thailand, Hongkong Urlaub macht, besuchen sie als Erstes das Museum. Sie kommen zurück und vergleichen.

So viele Jahre lang stellte niemand in Frage, daher blieben die Museen statisch und die Regierung achtete nicht darauf.

Als die Kritik begann, erkannte auch die Regierung, dass es wichtig war, die Kulturinstitute zu verbessern.

Kulturinstitute und Museen können sich ohne geschultes Personal nicht verbessern und es herrscht eine Führungskrise.

Die meisten Museen sind kopflos, meist betreiben Bürokraten Kulturinstitute.

Wenn ein Land ikonische Institute wie die IITs/IIMs schaffen kann, warum können wir dann nicht ein Institut auf nationaler Ebene nach dem Vorbild der IITs-IIMs für das Kulturerbemanagement bekommen?

Auf diese Weise könnten wir jedes Jahr 30 Kulturmanager hervorbringen und in der Lage sein, Kulturführer in andere Länder zu stellen.

Es herrscht Kulturhunger. Die Leute wollen es wissen.

Sie haben Respekt vor ihrer Kultur, Tradition, aber wir müssen in der Lage sein, sie zu ernähren.

Leider haben wir in einer Stadt wie Mumbai keinen neuen Kulturraum geschaffen.

South Mumbai hat großes Glück, aber was ist mit den Vororten.

Es gibt kein kulturelles Leben, außer Einkaufszentren zu besuchen. (Nach Angaben des Immobiliendienstleistungsunternehmens Cushman und Wakefield werden bis 2020 34 neue Einkaufszentren in acht indischen Städten entstehen).

Wir müssen umdenken, auch die Regierung muss umdenken.

Die Gesellschaft kann ohne ihren kulturellen Hintergrund nicht vorankommen. Sonst erschaffst du eine unsensible Gesellschaft.

Ich sprach mit dem Generaldirektor der UNESCO bei einem Seminar an der Yale University. Sie erzählte mir, dass sie den irakischen Premierminister gefragt habe, warum gebildete junge Leute sich dem IS anschließen.

Er sagte, dass etwas mit ihrem Bildungssystem schrecklich schief gelaufen ist. Viele Jahre lang, sogar vor Saddam (Hussein) konnten sie Geschichte nicht in Schulen und Hochschulen integrieren.

Sie verstehen jetzt die Bedeutung und haben es aufgenommen und ich dachte an mein Land.

Setzen wir Geistes- und Sozialwissenschaften mit Naturwissenschaften und Technik, Management, Ingenieurwesen gleich?

Viele Universitäten haben ihre linguistischen Fakultäten bereits geschlossen.

Wir haben Skripte wie Brahmi verloren. Sanskrit ist fast ausgestorben.

Es gibt eine Art von Begeisterung für Wissenschaft, Technologie und Management.

Die Regierung wird den Sozial- und Geisteswissenschaften im Vergleich zu anderen Disziplinen nicht gerecht.

Warum gibt es so viele Spannungen in der Gesellschaft?

Wenn Sie Ihre Vergangenheit kennen, werden Sie auf Situationen aus einem anderen Blickwinkel reagieren.

Ihre Vergangenheit gibt Ihnen Aufschluss darüber, wie unterschiedliche Situationen mit unterschiedlichen Lösungen angegangen und gelöst wurden.

Aber wenn Sie sich Ihrer Vergangenheit nicht bewusst sind, machen Sie Fehler.

Deshalb sind Geschichte und Kultur so wichtig.

Das Chhatrapati Shivaji Maharaj Vastu Sanghralaya ist Mumbais führendes Museum.
Es hat über 60.000 Artefakte. Über eine Million Besucher besuchen das Museum jedes Jahr.
"India and the World", eine Ausstellung zum 70. Jahrestag der Freiheit Indiens in Zusammenarbeit mit dem British Museum, wird am 11. November eröffnet.


Warum gehen wir in Museen?

Foto von Gene Pittman

Warum gehen wir in Museen?

Diese Frage stelle ich mir selbst und der breiten Öffentlichkeit und jedem, der schon einmal ein Museum besucht hat. Insbesondere interessiert mich, warum die Leute teilnehmen Kunst Museen. Was zwingt uns? Was hoffen wir zu sehen? Wollen wir lernen, während wir dort sind? Was ist ein gutes Museumserlebnis?

Ich bin Künstler, aktiver Unterstützer der Twin Cities-Kunstgemeinschaft und Teil des pädagogischen Personals des Walker Art Center. Ich weiß, warum ich als interessierter Künstler und Verfechter der Künste Museen besuche, aber ich stelle die Frage noch einmal als jemand innerhalb des Museums. Warum kommen Menschen durch unsere Türen? Für die Kunst? Für die Programme? Warum kommen sie zurück?

Zwischen meinen verschiedenen Projekten im Walker Art Center forsche ich mit dem Ziel, nicht nur Gruppenbesuche zu fördern, sondern auch inhaltsgesteuerte Besuchererlebnisse zu planen. Mit anderen Worten, mich hat es interessiert, wie wir unsere Angebote bekannt machen und wie wir diese Angebote gestalten, damit das Besuchererlebnis erfolgreich ist. Wie sich herausstellt, ist dies ein aufstrebendes Forschungsgebiet, das traditionelle Marketing- und Zielgruppenentwicklungsstrategien um Aspekte der Psychologie erweitert. So wild das klingt, es scheint angebracht, sich mit der Erkenntnis zu beschäftigen, die auftritt, wenn Menschen Entscheidungen treffen, anstatt sich um Appelle, Überzeugungen oder Zwang zu bemühen. Um Leute in die Türen zu bekommen, hören wir auf, ihnen zu sagen, warum sie kommen sollten, und fangen an, sie zu fragen warum sie das tun.

Ich möchte die Position von Dr. John H. Falk, Autor und führender Forscher im Bereich Museumsbesucherstudien, teilen, der kürzlich als Gastredner für das Webinar „Identity and the Museum Experience“ von experienceology.com aufgetreten ist. Falk erforscht die Faktoren, die Besucher zum Museumsbesuch zwingen. Er postuliert die dass Museumsbesuche ein Freizeiterlebnis sind Es ist etwas, das wir außerhalb der Arbeit tun und an dem wir außerhalb unseres häuslichen Lebens teilnehmen. Falk nennt Museumsbesuche eine Freizeitaktivität und versucht zu definieren, was Menschen gegenüber anderen Freizeitaktivitäten zu Museen führt, oder wenn nicht, welches Bedürfnis der Museumsbesuch erfüllt. In Kenntnis dieses „Bedürfnisses“ könnten Museumsfachleute vielleicht Museumserlebnisse so zuschneiden, dass sie erfolgreichere Besuchererlebnisse schaffen – geleitet von einem Verständnis dafür, welche Erwartungen wir erfüllen müssen.

Wie würde diese Wahrnehmungsstudie ablaufen? Welche Daten würden diese Forschung unterstützen? Herkömmliche Strategien analysieren ein bestehendes Publikum, indem sie „Arten von Besuchern“ anhand von Attributen wie Alter, Einkommen, Region, Familie/Einzelperson, häufig/selten usw , oder um Marketingbemühungen zu informieren. Es weist jedoch nicht auf vorhersehbare Faktoren hin, die die Gründe für einen Besuch und eine Rückkehr aufzeigen könnten. Falk interessiert sich mehr für die ephemeren Daten, als in Was motiviert Menschen, ins Museum zu kommen? Welche Beziehungen haben die Menschen zu Museen? „Was hat Sie heute, diesmal hierher geführt“ oder „Warum und wie verbringen die Menschen gerne ihre Freizeit und ihr Geld?“

„Wer du bist“ und „warum du tust, was du tust“ gibt Falk zu, dass beides ein Teil deiner Identität ist und er systematisiert diese in „große“ und „kleine“ Identitätsattribute. „Große“ Merkmale sind in der Regel stabil, wie Ihre ethnische Zugehörigkeit und Ihr Einkommen, und obwohl diese Informationen hilfreich sein können, sagen sie nicht unbedingt voraus warum du gehst irgendwo hin, oder warum Vielleicht haben Sie Ihre Erfahrung genossen. Falk nennt deine Interessen deine „kleinen“ Identitätsmerkmale, d.h. du fährst gerne Snowboard oder genießt Jazzmusik. Diese „kleinen“ Identitäten, glaubt Falk, bestimmen, warum Menschen in Museen gehen, und daher scheinen diese „motivierenden Identitäten“ am relevantesten zu sein, um sie zu studieren.

Um Informationen zu sammeln, initiierte Falk gezielte und ungesteuerte Besucherumfragen, um qualitative Daten zu sammeln. In Abkehr vom traditionellen Ansatz, der die Besucher nach Typen (Alter, Einkommen, Region usw.) einsortiert, untersuchte Falk die Daten auf Muster und erkannte fünf neue Kategorien, die den Besuchern ’ ‘ wenig’ oder ‘motivierende’ Identitäten entsprechen. Die Gründe für das Kommen der Besucher waren zwar nicht immer die gleichen, aber sie zeigten tendenziell eine dominante Motivation.

Im Folgenden wird jede motivierende Identität und Charakterisierung als Besucher aufgelistet:

Entdecker—Entdecker kommen, weil der Museumsbesuch sie interessiert und ihre Neugier weckt. Wenn Sie sie fragen, ob sie Kunst mögen, würden sie "ja" sagen, wenn Sie sie fragen, ob sie wegen etwas Bestimmtem kommen, würden sie wahrscheinlich "nein" sagen, sie " mögen Kunst einfach und wissen, was ihnen gefällt, wenn sie sie sehen". Sie haben keine konkreten Lernziele wie „Ich gehe ins MIA, um alles über den Expressionismus zu lernen“, aber sie wissen gerne Neues. [Ich stelle mir vor, dass dies der Typ ist, der Didaktik und Beschriftungen liest, aber möglicherweise keine Namen und Kontextbezüge kennt.] Dieser Typ könnte wirklich jeder sein. Das Ziel von Entdeckern ist es, eine Neugier zu befriedigen. Sie können es wissen oder auch nicht wie den Raum zu nutzen.

Moderator—Moderatoren kommen wegen jemand anderem. Sie bringen vielleicht einen Freund oder eine Gruppe von Leuten mit – möglicherweise Jugendliche oder Studenten –, weil sie denken, dass der Besuch der anderen Partei oder den anderen Parteien zugute kommt, nicht aus persönlichen Gründen. Ihr persönliches Bedürfnis ist es, anderen eine gute Erfahrung zu machen.

Erlebnissuchender– Ein Erlebnissuchender ist eine Person, die eine Liste von Aktivitäten abhaken muss, sei es persönlich oder als Tourist. Sie möchten die Ikone dieses Ortes sehen, sie wollen tun, was Sie in dieser Stadt oder Gegend tun sollen. Sie müssen möglicherweise die Highlights des Museums sehen, um zufrieden zu sein.

Beruflich/Hobby-Diese Kategorie umfasst Lehrer, Pädagogen, Museumsfachleute, Künstler und Personen in verwandten Bereichen. Ihre Ziele können sich nach ihrer besonderen Rolle als Profi oder Hobby richten, an dem ein Fotograf teilnehmen kann, um Fotos zu machen oder durch Exponate etwas über Fotografie zu lernen. Ein Kunstvermittler kann sich für die Kunst in seinem Interessengebiet interessieren oder einen Unterricht planen usw.

Ladegeräte—Wiederaufladeer finden im Museum einen Ort, um dem Alltag zu entfliehen und sich zu entspannen, und ihr Besuch ist fast ein spiritueller. Sie neigen dazu, Menschenmengen oder Empfindungen zu vermeiden und sind ziemlich autark. Ein erfolgreicher Besuch hinterlässt bei ihnen das Gefühl, dass sie verfügen über weggekommen.

Falk fährt fort und stellt fest, dass unsere Identität durch diese Aktivitäten zum Ausdruck gebracht und befriedigt wird, und daher können wir folgern, dass Besucher in Museen kommen, die aus Gründen motiviert sind, diesen Aspekt ihrer Identität zu befriedigen. Die Studien, die er verfasste, waren nicht WENN-DANN (wenn ich ‘X’ mag, dann gehe ich aus diesen Gründen in Museen). Stattdessen untersucht Falk das intrinsische Potenzial im Interesse einer Person, wie sie eine Person dazu zwingt, auf bestimmte Weise Zeit zu verbringen, um Aspekte ihrer Identität zu befriedigen. Wenn sich eine Institution dessen bewusst ist, kann sie diese Bedürfnisse und Interessen besser unterstützen. Durch die Schlussfolgerung, warum der Besucher dort ist, kann ein Museumsfachmann das Besuchererlebnis besser unterstützen und diese Person zufriedenstellen.

Ich hoffe, dass die Öffnung von Institutionen für die Diskussion über die Themen ‘was Besucher motiviert? dazu beitragen kann, neue Zielgruppen zu gewinnen, indem Erlebnisse geschaffen werden, die die Besucherbedürfnisse erfüllen, und Marketing mit diesen Motivationen im Hinterkopf behalten. Diese Praktiken würden Rückbesuche fördern und eine stärkere Beziehung zwischen Besuchern und Museum ermöglichen. Indem wir herausfinden, warum Besucher kommen, können wir besser vorhersagen, wie sie Institutionen weiterhin für ihre Bedürfnisse nutzen und wie sie positive Erfahrungen in diesem Bereich machen können.

Ich akzeptiere die Ergebnisse von Falk nicht als das endgültige Wort, um zu verstehen, warum Besucher ihre Freizeit in Museen verbringen, aber ich glaube, dass es eine neue Haltung ist, die ältere Praktiken umkehrt, die vermuteten, "warum Sie kommen sollten" im Gegensatz zu "warum Sie" komm doch.“ Falks Motivationskategorien fühlen sich sehr relevant an und ich habe darüber nachgedacht, warum ich das mache, was ich in meiner Freizeit mache. Wenn ich an einer Kunsteröffnung teilnehme, bin ich ein Profi/Hobby, wenn ich in einem Secondhand-Laden stöbere, dann ist das meine Zeit zum Auftanken, als ich letzten Monat den Comedian Gallagher mit Metallagher spielen sah.

Wie kommen diese Kategorien bei Ihnen als Museumsbesucher an? Fühlen sie sich korrekt oder falsch an? Sehen Sie sich in eine oder mehrere Kategorien einzuordnen, wenn Sie ins Kunstmuseum gehen? Wie sieht es bei Ihren anderen Aktivitäten aus?

Ich würde mich freuen, von Ihnen zu hören – nicht nur Ihre Reaktion auf Falks Ideen zur Identitätsmotivation, sondern vor allem: Warum gehen Sie ins Museum?

Mitwirkender-Biografie:

Jehra Patrick arbeitet als Programmassistentin für Tourprogramme im Walker Art Center, wo sie Strategien entwickelt und umsetzt, um den Verkauf von Gruppentourprogrammen zu steigern, und das freiwillige Informationsführerprogramm beaufsichtigt, das die Besuchererfahrung durch die Schaffung einer maßgeschneiderten, einladenden Umgebung verbessert.

Neben ihrer Rolle bei Tour-Programmen arbeitet Jehra auch als Programmassistentin des McKnight Fellowship for Photographers und ist eine aktive Studiokünstlerin.


Die Vergangenheit zu kennen öffnet die Tür zur Zukunft: Die anhaltende Bedeutung des Black History Month

Scurlock Studio Records, ca. 1905-1994, Archives Center, National Museum of American History, Smithsonian Institution.

Niemand hat eine größere Rolle dabei gespielt, allen Amerikanern zu helfen, die schwarze Vergangenheit zu kennen, als Carter G. Woodson, die Person, die im Februar 1926 in Washington, DC, die Negro History Week ins Leben rief. Woodson war der zweite schwarze Amerikaner, der einen Doktortitel in Geschichte erhielt von Harvard – nach WEB Du Bois um ein paar Jahre. Für Woodson war die Erfahrung der Schwarzen zu wichtig, um sie einer kleinen Gruppe von Akademikern zu überlassen. Woodson glaubte, dass seine Rolle darin bestand, die schwarze Geschichte und Kultur als Waffe im Kampf um rassistische Aufwertung zu nutzen. 1916 zog Woodson nach DC und gründete die „Association for the Study of Negro Life and Culture“, eine Organisation, deren Ziel es war, die schwarze Geschichte einem breiteren Publikum zugänglich zu machen. Woodson war ein seltsamer und getriebener Mann, dessen einzige Leidenschaft Geschichte war, und er erwartete, dass jeder seine Leidenschaft teilte.

Dr. Carter G. Woodson, Ende der 1940er Jahre

Diese Ungeduld veranlasste Woodson 1926, die Negro History Week ins Leben zu rufen, um sicherzustellen, dass Schulkinder der schwarzen Geschichte ausgesetzt sind. Woodson wählte die zweite Februarwoche, um den Geburtstag von Lincoln und Frederick Douglass zu feiern. Es ist wichtig zu wissen, dass die Negro History Week nicht in einem Vakuum geboren wurde. In den 1920er Jahren stieg das Interesse an der afroamerikanischen Kultur, die durch die Harlem Renaissance repräsentiert wurde, wo Schriftsteller wie Langston Hughes, Georgia Douglass Johnson, Claude McKay über die Freuden und Leiden der Schwärze schrieben und Musiker wie Louie Armstrong, Duke Ellington und Jimmy Lunceford hat die neuen Rhythmen der Städte eingefangen, die zum Teil von den Tausenden von Schwarzen aus dem Süden geschaffen wurden, die in urbane Zentren wie Chicago abwanderten. Und Künstler wie Aaron Douglass, Richard Barthe und Lois Jones schufen Bilder, die die Schwärze feierten und positivere Bilder der afroamerikanischen Erfahrung lieferten.

Woodson hoffte, auf dieser Kreativität aufzubauen und das Interesse durch die Negro History Week weiter zu wecken. Woodson hatte zwei Tore. Eine bestand darin, die Geschichte zu nutzen, um dem weißen Amerika zu beweisen, dass Schwarze eine wichtige Rolle bei der Gründung Amerikas gespielt hatten und es daher verdienten, als Bürger gleich behandelt zu werden. Im Wesentlichen hoffte Woodson – indem er heroische schwarze Figuren feierte – seien es Erfinder, Entertainer oder Soldaten –, unseren Wert zu beweisen, und indem er unseren Wert bewies – glaubte er, dass Gleichheit bald folgen würde. Sein anderes Ziel war es, die Sichtbarkeit des Lebens und der Geschichte der Schwarzen zu erhöhen, zu einer Zeit, in der nur wenige Zeitungen, Bücher und Universitäten auf die schwarze Gemeinschaft aufmerksam wurden, außer um beim Negativen zu verweilen. Letztendlich glaubte Woodson, dass die Negro History Week – die 1976 zum Black History Month wurde – ein Vehikel für die rassische Transformation für immer sein würde.

Die Frage, die sich uns heute stellt, ist, ob der Black History Month noch relevant ist oder nicht? Ist es noch ein Vehikel für Veränderungen? Oder ist es einfach eine weitere Schulaufgabe geworden, die für Kinder nur eine begrenzte Bedeutung hat. Ist der Black History Month zu einer Zeit geworden, in der Fernsehen und Medien ihr schwarzes Material stapeln? Oder ist es ein sinnvolles Konzept, dessen Ziele erreicht wurden? Schließlich konnten nur wenige – außer den leidenschaftlichsten Rednecks – die Präsenz und Bedeutung der Afroamerikaner für die amerikanische Gesellschaft leugnen oder wie meine damals 14-jährige Tochter Sarah es ausdrückte: „Ich sehe Colin Powell jeden Tag im Fernsehen, alle meine Freunde – schwarz“ und Weiß – sind durch Musik und Fernsehen in die schwarze Kultur eingetaucht. Und Amerika hat sich seit 1926 dramatisch verändert – ist es nicht an der Zeit, den Black History Month zurückzuziehen, da wir weiße und farbige Schilder an Trinkbrunnen beseitigt haben?“ I will spare you the three hour lesson I gave her.

I would like to suggest that despite the profound change in race relations that has occurred in our lives, Carter G. Woodson’s vision for black history as a means of transformation and change is still quite relevant and quite useful. African American history month, with a bit of tweaking, is still a beacon of change and hope that is still surely needed in this world. The chains of slavery are gone—but we are all not yet free. The great diversity within the black community needs the glue of the African American past to remind us of not just how far we have traveled but lo, how far there is to go.

While there are many reasons and examples that I could point towards, let me raise five concerns or challenges that African Americans — in fact — all Americans — face that black history can help address:

The Challenge of Forgetting

You can tell a great deal about a country and a people by what they deem important enough to remember, to create moments for — what they put in their museum and what they celebrate. In Scandinavia — there are monuments to the Vikings as a symbol of freedom and the spirit of exploration. In Germany during the 1930s and 1940s, the Nazis celebrated their supposed Aryan supremacy through monument and song. While America traditionally revels in either Civil War battles or founding fathers. Yet I would suggest that we learn even more about a country by what it chooses to forget — its mistakes, its disappointments, and its embarrassments. In some ways, African American History month is a clarion call to remember. Yet it is a call that is often unheeded.

Let’s take the example of one of the great unmentionable in American history — slavery. For nearly 250 years slavery not only existed but it was one of the dominant forces in American life. Political clout and economic fortune depended on the labor of slaves. And the presence of this peculiar institution generated an array of books, publications, and stories that demonstrate how deeply it touched America. And while we can discuss basic information such as the fact that in 1860 — 4 million blacks were enslaved, and that a prime field hand cost $1,000, while a female, with her childbearing capability, brought $1,500, we find few moments to discuss the impact, legacy, and contemporary meaning of slavery.

In 1988, the Smithsonian Institution, about to open an exhibition that included slavery, decided to survey 10,000 Americans. The results were fascinating — 92% of white respondents felt slavery had little meaning to them — these respondents often said “my family did not arrive until after the end of slavery.” Even more disturbing was the fact that 79% of African Americans expressed no interest or some embarrassment about slavery. It is my hope that with greater focus and collaboration Black History Month can stimulate discussion about a subject that both divides and embarrasses.

As a historian, I have always felt that slavery is an African American success story because we found ways to survive, to preserve our culture and our families. Slavery is also ripe with heroes, such as slaves who ran away or rebelled, like Harriet Tubman or Denmark Vessey, but equally important are the forgotten slave fathers and mothers who raised families and kept a people alive. I am not embarrassed by my slave ancestors I am in awe of their strength and their humanity. I would love to see the African American community rethink its connection to our slave past. I also think of something told to me by a Mr. Johnson, who was a former sharecropper I interviewed in Georgetown, SC:

The Challenge of Preserving a People’s Culture

While the African American community is no longer invisible, I am unsure that as a community we are taking the appropriate steps to ensure the preservation of African American cultural patrimony in appropriate institutions. Whether we like it or not, museums, archives, and libraries not only preserves culture they legitimize it. Therefore, it is incumbent of African Americans to work with cultural institutions to preserve their family photography, documents, and objects. While African Americans have few traditions of giving material to museums, it is crucial that more of the black past make it into American cultural repositories.

A good example is the Smithsonian, when the National Museum of American History wanted to mount an exhibition on slavery, it found it did not have any objects that described slavery. That is partially a response to a lack of giving by the African American Community. This lack of involvement also affects the preservation of black historic sites. Though there has been more attention paid to these sites, too much of our history has been paved over, gone through urban renewal, gentrified, or unidentified, or un-acknowledged. Hopefully a renewed Black History Month can focus attention on the importance of preserving African American culture.

There is no more powerful force than a people steeped in their history. And there is no higher cause than honoring our struggle and ancestors by remembering.

The Challenge of Maintaining a Community

As the African American Community diversifies and splinters, it is crucial to find mechanisms and opportunities to maintain our sense of community. As some families lose the connection with their southern roots, it is imperative that we understand our common heritage and history. The communal nature of black life has provided substance, guidance, and comfort for generations. And though our communities are quite diverse, it is our common heritage that continues to hold us together.

The Power of Inspiration

One thing has not changed. That is the need to draw inspiration and guidance from the past. And through that inspiration, people will find tools and paths that will help them live their lives. Who could not help but be inspired by Martin Luther King’s oratory, commitment to racial justice, and his ultimate sacrifice. Or by the arguments of William and Ellen Craft or Henry “Box” Brown who used great guile to escape from slavery. Who could not draw substance from the creativity of Madame CJ Walker or the audacity and courage of prize fighter Jack Johnson. Or who could not continue to struggle after listening to the mother of Emmitt Till share her story of sadness and perseverance. I know that when life is tough, I take solace in the poetry of Paul Lawrence Dunbar, Langston Hughes, Nikki Giovanni, or Gwendolyn Brooks. And I find comfort in the rhythms of Louie Armstrong, Sam Cooke or Dinah Washington. And I draw inspiration from the anonymous slave who persevered so that the culture could continue.

Let me conclude by re-emphasizing that Black History Month continues to serve us well. In part because Woodson’s creation is as much about today as it is about the past. Experiencing Black History Month every year reminds us that history is not dead or distant from our lives.

Rather, I see the African American past in the way my daughter’s laugh reminds me of my grandmother. I experience the African American past when I think of my grandfather choosing to leave the South rather than continue to experience share cropping and segregation. Or when I remember sitting in the back yard listening to old men tell stories. Ultimately, African American History — and its celebration throughout February — is just as vibrant today as it was when Woodson created it 85 years ago. Because it helps us to remember there is no more powerful force than a people steeped in their history. And there is no higher cause than honoring our struggle and ancestors by remembering.


Should Museums Return Looted Artifacts to Their Countries of Origin?

Museums around the world contain pieces that were stolen or taken by force during colonial rule. Do you think they have a right to keep and display these objects? Or should they give them back?

Students in U.S. high schools can get free digital access to The New York Times until Sept. 2021.

Think about the last time you went to an art or history museum. Which pieces stood out to you? Did you read the plaques next to them? Did those tell you where the artifacts were from and how they were acquired?

Today, many museums around the world contain art and artifacts that were stolen from their countries of origin during colonial rule or looted during war. Do you think museums have a right to keep and display those objects? Why or why not?

Three recent New York Times articles explain how museums, activists and governments are wrestling with this question:

In the Netherlands, an advisory committee to the Dutch government has recommended that the country give back items taken without consent. In “Return Looted Art to Former Colonies, Dutch Committee Tells Government,” Claire Moses writes:

The Netherlands should return looted art to its former colonies: That’s the official recommendation of an advisory committee to the Dutch government.

After a year of research, including interviews with people in former Dutch colonies such as Indonesia, Suriname and several Caribbean islands, the committee released its report in Amsterdam on Wednesday.

The decision on whether to return an object, however, would ultimately rest with the Dutch government, and after a similar recommendation was made in France in 2018, only a single object has since been given back.

“The principle is fantastic,” said Jos van Beurden, an independent researcher who has specialized in restitution since the 1990s, of the Dutch decision. “But I’m worried about the execution.”

The lawyer and human rights activist Lilian Gonçalves-Ho Kang You, who led the committee in the Netherlands, said in an interview that the government should acknowledge the injustices of colonialism and be willing to return objects without conditions if it can be proved that they were acquired involuntarily, and if their countries of origin ask for them.

The report calls for the creation of a body of experts to investigate objects’ provenance when requests are made, and a publicly accessible national database of all the colonial collections in Dutch museums.

In the United States, Indigenous people have advocated repatriation as a form of restorative justice, using legal routes as well as others to reclaim stolen objects. In a 2019 Op-Ed, “‘As Native Americans, We Are in a Constant State of Mourning,’” Chip Colwell writes:

Some art dealers and curators have recently warned that this rapidly shifting landscape may, as the German broadcaster Deutsche Welle, put it, “eventually empty museums and galleries in Western countries.” But such dire predictions portray repatriation as a zero-sum game. Museums should not see repatriation only for what is lost. They should also see what is gained.

In the wake of European colonial explorations from the 1500s onward, museums were filled with curious, beautiful, mundane and wondrous objects. Many of these things were purchased or traded, obtained with the permission of the individual maker or community. Yet, many were also procured with the threat of violence, without consent and in ways that violated cultural traditions. Many were simply stolen. When archaeological science took off in the late 1800s, unknown thousands of graves were excavated. When the Western art world fell in love with “primitive” art, collectors and dealers often resorted to extremes to obtain ancient treasures.

Indigenous peoples often tried their best to preserve their sacred objects and to protect the graves of their ancestors. But most communities were unable to stop the plunder.

On the heels of the civil rights movement, Native Americans began to more publicly renounce museums for stealing their heritage. As a result, in 1990 Congress passed the Native American Graves Protection and Repatriation Act, which provides a process for lineal descendants and tribes to reclaim ancestral remains and certain kinds of cultural items from American museums and federal agencies. This law, although imperfect, has facilitated the return of some 1.7 million grave goods, 57,000 skeletons and 15,000 sacred and communally owned objects.

And in France, Mwazulu Diyabanza, a Congolese activist, has taken the movement into his own hands. In “To Protest Colonialism, He Takes Artifacts From Museums,” Farah Nayeri writes:

Early one afternoon in June, the Congolese activist Mwazulu Diyabanza walked into the Quai Branly Museum, the riverfront institution that houses treasures from France’s former colonies, and bought a ticket. Together with four associates, he wandered around the Paris museum’s African collections, reading the labels and admiring the treasures on show.

Yet what started as a standard museum outing soon escalated into a raucous demonstration as Mr. Diyabanza began denouncing colonial-era cultural theft while a member of his group filmed the speech and live-streamed it via Facebook. With another group member’s help, he then forcefully removed a slender 19th-century wooden funerary post, from a region that is now in Chad or Sudan, and headed for the exit. Museum guards stopped him before he could leave.

The next month, in the southern French city of Marseille, Mr. Diyabanza seized an artifact from the Museum of African, Oceanic and Native American Arts in another live-streamed protest, before being halted by security. And earlier this month, in a third action that was also broadcast on Facebook, he and other activists took a Congolese funeral statue from the Afrika Museum in Berg en Dal, the Netherlands, before guards stopped him again.

Now, Mr. Diyabanza, the spokesman for a Pan-African movement that seeks reparations for colonialism, slavery and cultural expropriation, is set to stand trial in Paris on Sept. 30. Along with the four associates from the Quai Branly action, he will face a charge of attempted theft, in a case that is also likely to put France on the stand for its colonial track record and for holding so much of sub-Saharan Africa’s cultural heritage — 90,000 or so objects — in its museums.

“The fact that I had to pay my own money to see what had been taken by force, this heritage that belonged back home where I come from — that’s when the decision was made to take action,” said Mr. Diyabanza in an interview in Paris this month.

Describing the Quai Branly as “a museum that contains stolen objects,” he added, “There is no ban on an owner taking back his property the moment he comes across it.”

Students, choose one of the articles to read in its entirety, then tell us:

Do you think museums should return objects that were stolen, looted or taken with the threat of violence to their places of origin? Why or why not?

If you do not think museums should return these objects, which of the approaches outlined in these articles seem most effective and thoughtful to you? Should museums themselves take on the work of identifying and returning stolen pieces? Should reclamation be made law, as it has been in the United States with the Native American Graves Protection and Repatriation Act? Should there be more activists like Mr. Diyabanza who reclaim stolen pieces? What other actions might be appropriate?

What is your reaction to Mr. Diyabanza’s protest? He described the museum he is accused of stealing from as “a museum that contains stolen objects,” and justified his actions by saying, “There is no ban on an owner taking back his property the moment he comes across it.” Do you agree with this statement and his approach? Why or why not?

If museums have looted art and artifacts in their collections, do you think that should be acknowledged? Do museums have an obligation to say where pieces are from and how they were acquired?

Here’s an example: Alice Procter, an art historian and writer, analyzes the label on the sculpture “Tipu’s Tiger,” originally from Mysore, India, now on display in the Victoria & Albert Museum in London, also known as the V&A:

The label for “Tipu’s Tiger” begins with the sentence:

“Tipu Sultan was killed when the East India Company stormed Seringapatam in 1799.”

That’s written in a passive voice. It doesn’t mention the fact that he was killed by the company’s officers, and gives the impression that he just happened to die at the same time.

Later on in the label, it reads, “As was usual, the royal treasury was then divided up between the army.” There’s a whole history of looting and conflict being used as a way of creating museum collections. We know that East India Company officials were in contact with collectors and curators in London. We know that the trustees of institutions such as the British Museum, the V&A and the National Gallery are sending letters to military officials around the world at this time, expressing interest in particular objects and artworks.

What do you think of Ms. Procter’s reframing of the label? How does reading her explanation change your experience of this work of art? Do you think all museums should address their colonial past in this way? And if they do, is that enough to remedy the fact that these pieces were looted or taken by force? Why or why not?

About Student Opinion

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Why Libraries Have a Public Spirit That Most Museums Lack

At a time when museums are being held accountable by a variety of publics for every aspect of their operations — from programming and exhibition-making to financial support and governance structures — perhaps it is useful to look at parallel institutions that are doing similar work for guidance on alternative ways of working.

I have spent a great deal of time thinking about the relationship between museums and public libraries, to understand what makes libraries feel different from museums. Why do they have a public spirit that most museums don’t? Why are there lines around the block at some NYC library branches at 9 am? I’ve been reading about the roots of both institutions in the United States, and they have evolved in similar ways so how do they diverge? And is this divergence relevant to the ways in which a stunningly broad swath of society feels welcome within a public library and not a museum?

The grand lobby of the Brooklyn Public Library (all images courtesy Brooklyn Public Library and all by Gregg Richards unless otherwise noted)

John Cotton Dana, the Progressive Era thinker and radical re-imaginer of public libraries, wrote a particularly important essay in 1917 titled “The Gloom of the Museum.” It includes a section about expertise that is particularly germane today:

They become enamoured of rarity, of history … They become lost in their specialties and forget their museum. They become lost in their idea of a museum and forget its purpose. They become lost in working out their idea of a museum and forget their public. And soon, not being brought constantly in touch with the life of their community … they become entirely separated from it and go on making beautifully complete and very expensive collections but never construct a living, active, and effective institution.

Museums and libraries in the US originated in similar places and via similar patronage models with their foundational collections coming largely from wealthy collectors of books and art objects, sometimes in conjunction with institutions of higher learning. However, the word “public” remains embedded in what we call the library. And while some branches are named for generous funders, these are secondary to the overall system. In fact, the Queens Public Library system, the largest in the nation, boasts of a branch within a mile of every Queens resident.

Kameelah Janan Rasheed: “Scoring the Stacks” (2019)

It is with these thoughts in mind that I spoke with Cora Fisher, Curator of Visual Art Programming, and Jakab Orsos, Vice President of Arts and Culture, at the Brooklyn Public Library (BPL). Orsos and Fisher center accessibility within an intellectual framework, which seems to me a core tenet that makes an indelible imprint on all their work. This focus is also related, perhaps, to the ways in which the BPL audiences see the library as a repository of ideas, and of public information, rather than one of expertise. In this way, when BPL explicitly presents issue-driven programs, audiences might encounter these as participants rather than as recipients of knowledge. In Fisher’s words, when she and Orsos imagine programs for the library, they are “visioning an active civic body,” that not only desires engagement with the subjects explored, but also expects the library to engage particular issues with intent and via a specific perspective.

Kameelah Janan Rasheed: “Scoring the Stacks” (2019)

This clarity around intention and transparency of outlook is an essential aspect of the distinction between museums and libraries, and is based in a particular poetics of engagement. Take for example Kameelah Janan Rasheed’s project, Scoring the Stacks, which was displayed at BPL’s Central Library from January through April 2019. Rasheed is an artist, a poet, and a pedagogue, and therefore among the most ideal artists to be embedded within the library. Her project knit together the infinite possible paths of knowledge that can be charted with the resources of a library. By creating a repository of colored index cards with some simple instructions, she invited library patrons to create their own skein of knowledge, partially by chance, as they followed the instructions interspersed throughout the library’s collections and stacks. They noted their paths on the note cards, carbon copies of which preserved their paths for others to peruse. Each became a “score” of a particular experience informed by artistic suggestion, chance encounters, personal interests of the participant, and myriad other vagaries that shaped each strand of the work. She also conducted numerous workshops that brought people together in co-authoring pop songs and poetry, as well as choreographing movement, all by using texts found in the stacks.

Kameelah Janan Rasheed: “Scoring the Stacks” (2019)

To my mind, this kind of effort is about more than participation and co-creation. Orsos says,

As a public space our job is about enhancing people’s willingness to raise questions and feel uncomfortable. A true public space is constantly negotiating knowledge or the lack of it, rather than presenting a position of expertise. And we in turn have to be open to pushback.

In this context, intentionally conceived programming draws a person into the library as a space of collective public knowledge — not only as a reader but as an author as well. In this sense, the library is a space of collective knowledge creation as well as a site of exchange and storage. One example of how this works is a forthcoming initiative taking place throughout 2020. Envisioned as a civic exercise in advance of the US presidential election, the 28th Amendment Project will invite the people of Brooklyn to imagine what should be added to or omitted from the US Constitution. Comprising negotiations and workshops that take advantage of the dispersed conditions of the library branches, participants will think together about the role of the US Constitution historically and in the present day. They can collectively critique and augment existing documents, while forging a possible alternative, which would not only be compiled but then ratified by the participants. This new 28th Amendment will then be released to the public a few weeks before the elections on behalf of the people of Brooklyn alongside a participatory art project by Sheryl Oring titled, “I wish to say,” a performance which invites people to dictate postcards to the president.

From Score to Speculative Lit. Participants collectively author a text.

I imagine these 28th Amendment Project workshops, among other projects constructed by the Brooklyn Public Library, as spaces of mutual learning and engagement, around the civic, the personal, and the poetic. I am increasingly convinced that cultural spaces can, should, and must host these kinds of gatherings, acknowledging not only how institutions choose to relate to the issues at hand but also intentionally engaging with these issues so that they can be hashed out in public. Rather than spaces of abstracted expertise, the cultural sphere should perhaps be perceived by the public as a zone in which to negotiate what we may not agree on. Fisher aptly summed up this perspective when she said the BPL’s “goal and the ethos [in art and public programming] is about being subversive, cultivating curiosity, engaging in democracy.” How better to achieve this goal than to sit in the midst of millions of stories and histories, trying to collectively make some sense of the world in which we live? And with 59 branches throughout Brooklyn, the BPL seems an excellent place to start.


  1. How deep is the ocean?
  2. Why is the sea salty?
  3. What is a coral reef?
  4. Why are coral reefs important?
  5. How do oysters make pearls?
  6. What do killer whales eat?
  7. What do blue whales eat?
  8. How much plastic is in the ocean?
  9. What causes ocean acidification?
  10. How long can whales hold their breath?
  11. How can whales hold their breath for so long?
  12. How deep can a whale dive?
  13. How does ocean acidification affect marine life?

How deep is the ocean?

Why is the sea salty?

What is a coral reef?

Why are coral reefs important?

How do oysters make pearls?

What do killer whales eat?

What do blue whales eat?

How much plastic is in the ocean?

What causes ocean acidification?

How long can whales hold their breath?

How can whales hold their breath for so long?

How deep can a whale dive?

How does ocean acidification affect marine life?

The ocean has an average depth of approximately 3.7 kilometres (or 2.3 miles). A calculation from satellite measurements in 2010 put the average depth at 3,682 metres (12,080 feet). However, only about 10% of Earth's seafloor has been mapped to high resolution, so this figure is only an estimate.

Ocean depth is divided into zones: littoral, bathyal, abyssal and hadal. The deepest part of the ocean, the hadal zone, is anywhere deeper than six kilometres.

Challenger Deep, in the Mariana Trench, is the deepest point in the ocean known so far, at approximately 11 kilometres - deeper than Mount Everest is tall. The trench is located in the western Pacific Ocean.

The extreme depth of the Mariana Trench and other oceanic trenches is caused by subduction - where on the boundary of two converging tectonic plates, one descends down into Earth's mantle, creating a deep trough.

Salt in the sea, or ocean salinity, is mainly caused by rain washing mineral ions from the land into water.

Carbon dioxide in the air dissolves into rainwater, making it slightly acidic. When rain falls, it weathers rocks, releasing mineral salts that separate into ions. These ions are carried with runoff water and ultimately reach the ocean.

Sodium and chloride, the main constituents of the type of salt used in cooking, make up over 90% of all the ions found in seawater. Around 3.5% of the weight of seawater comes from dissolved salts.

Some mineral ions are used by marine animals and plants, removing them from the water. The leftover minerals have built up in concentration over millions of years. Underwater volcanoes and hydrothermal vents on the seabed can also release salts into the ocean.

Isolated bodies of water can become extra salty, or hypersaline, through evaporation. The Dead Sea is an example of this. Its high salt content increases the water's density, which is why people float in the Dead Sea more easily than in the ocean.

Coral reefs are made up of colonies of hundreds to thousands of tiny individual corals, called polyps. These marine invertebrate animals have hard exoskeletons made of calcium carbonate, and are sessile, meaning permanently fixed in one place. Polyps grow slowly, forming different shapes and sizes depending on their species.

Assisted by other animals with calcium carbonate skeletons and also coralline algae, corals form complex, three-dimensional reefs.

Coral reefs provide an important ecosystem for marine life, offering food and shelter among their crevices and branches for animals including fishes, molluscs, sea urchins and sponges.

Corals are found in all of Earth's oceans, from tropical to freezing temperatures, however they only build coral reefs in warm, shallow seas in the tropics. Among the biggest and best-known are the reef systems of the Great Barrier Reef of Australia, which is around 2,300 kilometres long. The most biologically diverse reefs in the world can be found in a region known as the Coral Triangle in Southeast Asia.

Coral reefs provide an important ecosystem for life underwater, protect coastal areas by reducing the power of waves hitting the coast, and provide a crucial source of income for millions of people.

Coral reefs teem with diverse life. Thousands of species can be found living on one reef. The Great Barrier Reef contains over 400 coral species, 1,500 fish species, 4,000 mollusc species and six of the world's seven sea turtle species. The Coral Triangle - a coral-rich marine region in Southeast Asia that encompasses the waters between Indonesia, Malaysia, the Philippines and Papua New Guinea - is the most biologically diverse marine ecosystem on Earth.

Coral reefs have an estimated global value of £6 trillion each year, due in part to their contribution to fishing and tourism industries and the coastal protection they provide.

More than 500 million people worldwide depend on reefs for food, jobs and coastal defence. The ridges in coral reefs act as barriers and can reduce wave energy by up to 97%, providing crucial protection from threats such as tsunamis. They help protect areas such as mangrove forests and seagrass beds that act as nurseries for marine animals, as well as human coastal populations.

Extracts from animals and plants living on reefs have been used to develop treatments for asthma, arthritis, cancer and heart disease.

Pearls are made by marine oysters and freshwater mussels as a natural defence against an irritant such as a parasite entering their shell or damage to their fragile body.

The oyster or mussel slowly secretes layers of aragonite and conchiolin, materials that also make up its shell. This creates a material called nacre, also known as mother-of-pearl, which encases the irritant and protects the mollusc from it.

When pearls are cultured commercially an irritant is manually inserted into a mollusc to promote the production of mother-of-pearl.

Nacre can form naturally around almost any irritant that gets inside the shell, creating some very unique and precious pearls.

Other bivalve molluscs and gastropods can produce pearls, but these aren't made of nacre.

Killer whales (also called orcas) are apex predators, meaning they are at the top of their food chain. They feed on fish and squid like other odontocetes (toothed whales) do, but will also target seals, sea birds and even whale species far bigger than themselves. Killer whales are also the only known predators of great white sharks.

Killer whales are the largest dolphin species. They are highly social and spend most of their lives swimming in large pods of family members. Hunting techniques are passed down through generations, so their diets depend on the region they inhabit and the pod's approach to hunting.

These highly intelligent cetaceans have been documented creating large waves to wash seals off ice floes, and even intentionally beaching themselves to catch prey on the shore.

Blue whales eat krill - tiny, shrimp-like crustaceans that live throughout Earth's oceans. The huge whales can eat up to four tonnes of krill every day.

Blue whales lunge through large swarms of krill with their mouths open, taking in more food in one mouthful than any other animal on Earth. Krill make up the vast majority of a blue whale's diet.

The blue whale is a filter-feeder. Its throat has an expandable, pleated structure to engulf a volume of water and prey that is greater than the animal's own body weight. The water it takes in at the same time as its food is pushed out of the mouth by its enormous tongue, through strainer-like baleen plates which hang down from the upper jaw.

Much of the plastic that does not end up in landfill or go through other waste management pathways (such as recycling or incineration) is thought to end up in the ocean.

Between 4.8 and 12.7 million tonnes of plastic enter the ocean each year, according to figures published in the journal Science in 2015.

Plastic can enter the ocean as large, identifiable items or as microplastics - pieces under five millimetres in length. Both pose a threat to marine life. Large pieces degrade over time to become microplastics, but never fully disappear.

Plastic has accumulated in huge quantities throughout the ocean - even in deep-sea areas previously thought to be untouched by humans.

A 2014 study involving Museum researcher Dr Lucy Woodall found high levels of contamination in deep-sea sediments. It revealed that around four billion microscopic plastic fibres could be littering each square kilometre of deep-sea sediment around the world.

Ocean acidification is mainly caused by carbon dioxide gas in the atmosphere dissolving into the ocean. This leads to a lowering of the water's pH, making the ocean more acidic.

Many factors contribute to rising carbon dioxide levels. Currently, the burning of fossil fuels such as coal, oil and gas for human industry is one of the major causes.

Deforestation results in fewer trees to absorb the gas. Also, when plants are cut down and burnt or left to rot, the carbon that makes up their organic tissue is released as carbon dioxide.

Some parts of the ocean are naturally acidic, such as at hydrothermal vent sites - underwater 'hot springs'.

In the past, ocean acidification occurred naturally but over much longer periods of time. It is occurring faster now than in the last 20 million years.

The longest ever recorded dive by a whale was made by a Cuvier's beaked whale. It lasted 137 minutes and broke the record for diving mammals. Other whales can also hold their breath for a very long time. A sperm whale can spend around 90 minutes hunting underwater before it has to come back to the surface to breathe. In 1969, a male sperm whale was killed off the coast of South Africa after surfacing from a dive lasting 117 minutes.

Whales' lungs are particularly efficient at taking up oxygen when they breathe air in and out through their blowholes at the water's surface. Special adaptations help them hold their breath for a long time.

Rather than keeping oxygen in their lungs like humans do, whales' bodies are specially adapted to store oxygen in their blood and muscles. They have extraordinarily high levels of the oxygen-storing proteins haemoglobin and myoglobin.

Whales also reduce their heart rate and stop the blood flow to certain parts of the body, temporarily shutting down organs such as their kidneys and liver while they hunt. This helps them use the oxygen they have in their bodies more slowly.

Furthermore, beaked whales (which can dive for a particularly long time) have a streamlined body shape. Their flippers fit in indentations in the body, enabling them to take on a torpedo-like shape. This helps them to swim, and often to glide, with minimal effort and extend their oxygen stores for as long as possible.

Whales are accomplished divers. The deepest whale dive recorded so far was made by a Cuvier's beaked whale. A 2014 study used satellite-linked tags to follow the dives of eight beaked whales off the southern California coast. The deepest recorded dive was 2,992 metres, breaking the record for diving mammals.

Experts have suggested that this dive was unusually deep for this species. A more normal depth would be 2,000 metres.

Sperm whales also regularly dive 1,000 to 2,000 metres deep.

Ocean acidification can negatively affect marine life, causing organisms' shells and skeletons made from calcium carbonate to dissolve. The more acidic the ocean, the faster the shells dissolve.

Animals that produce calcium carbonate structures have to spend extra energy either repairing their damaged shells or thickening them to survive. Using energy for this could impact the animals' abilities to grow and reproduce.

Animals able to survive and reproduce in more acidic waters are likely to become smaller, potentially affecting the food chain that relies on them.


The museum recently updated a controversial diorama.

The exhibit, located in the museum's Theodore Roosevelt Memorial Hall, showed a meeting between members of the Lenape tribe and Peter Stuyvesant, the leader of the Dutch colony of New Netherland. Entsprechend Die New York Times, critics of the diorama—which was created in 1939—said that it showed "cultural hierarchy, not a cultural exchange," and that it only mentioned Stuyvesant by name, without mentioning any of the Native leaders. On the exhibit's page, the museum notes that "the depiction of the Lenape reflects common clichés and a fictional view of the past that ignores how complex and violent colonization was for Native people." Rather than tweak the diorama itself, or dismantle it, the museum added labels in October 2018 acknowledging its issues—a solution that artist Amin Husain, member of Decolonize This Place, told the Mal works "because it honors the fact that that was there to begin with, so it references the harm that has been perpetuated over the years. And then it says, ‘We’re going to tell you how that was wrong.’”


Visiting the Smithsonian National Museum of African American History and Culture in Washington, DC

The National Museum of African American History and Culture has reopened. For more information regarding hours, timed entry and safety protocols, visit the museum's website.

Where and what is the Smithsonian National Museum of African American History?


The Smithsonian National Museum of African American History and Culture (NMAAHC) is located at 14th Street and Constitution Avenue NW on the National Mall. The four-level museum opened on Sept. 24, 2016, becoming the only national museum solely dedicated to the documentation of African American life, history and culture. This Smithsonian Institution museum is an architectural marvel that features numerous interactive exhibits.

The museum is currently open Wednesday through Sunday from 11 a.m. – 4 p.m. The easiest way to get there is via Metrorail or the DC Circulator. The closest Metro stop is Federal Triangle on the Blue, Orange and Silver lines. The DC Circulator’s National Mall route is your best bus option, and it will be easy to continue your exploration of the National Mall afterwards. The facility is handicap-accessible.

What’s inside the museum?


The Smithsonian National Museum of African American History and Culture is a state-of-the-art building that addresses nearly every aspect of the African American experience, covering the arts, slavery, the Civil Rights Movement, athletics and much more. The building’s exterior, conceived by Ghanaian-born architect David Adjaye, is artfully made up of a three-tiered, bronze-colored screen. This lattice pays tribute to the intricate ironwork forged by enslaved African Americans in the southern United States.

The museum’s collection of artifacts is astounding: 3,500 are on view, with another 35,000 or so in the collection. Standout items include a shawl given to Harriet Tubman by Queen Victoria, training aircraft used by the Tuskegee Institute, an invitation to President Obama’s 2009 inauguration and a boombox owned by Chuck D of Public Enemy.

Navigating the entirety of the NMAAHC would be very difficult to accomplish in one visit, and the breadth of its exhibits is astonishing. However, there are several displays that you should be aware of before you go.

Die Musical Crossroads exhibit details the history African American music, from the arrival of the first Africans to today. From jazz to hip-hop, African American musicians brought forth new forms of expression that lit a candle for liberty, justice and change. You will be able to experience the emergence of some of America’s finest art forms and the amazing creative expressions that came from them.

Slavery and Freedom uses first-person accounts and striking historical artifacts to tell an incredibly complicated tale. The exhibit traces slavery from 15th century Africa and Europe to the Civil War and Reconstruction in the United States. This vital history emphasizes that American slavery and freedom are deeply intertwined, and that the story of slavery is in fact a shared one that resides at the core of American politics, economics and daily life to this very day.

Continue your dive into history with Defending Freedom, Defining Freedom und A Changing America. The former covers the era of segregation and the onset of the Civil Rights Movement, highlighting the struggle that African Americans faced and conquered in establishing a cultural identity and their own communities, changing the nation along the way. The latter goes from 1968 until today, covering the assassination of Martin Luther King, Jr. to Barack Obama’s two terms as president, journeying from the Black Panthers to #BlackLivesMatter.



Bemerkungen:

  1. Beretun

    Ich bin sehr dankbar, dass sie aufgeklärt haben, und vor allem gerade rechtzeitig. Denken Sie nur, sechs Jahre schon im Internet, aber das ist das erste Mal, dass ich davon höre.

  2. Corybantes

    Interessanter Blog, zum RSS-Reader hinzugefügt

  3. Eadsele

    Was für ein notwendiger Satz ... super, bemerkenswerte Idee

  4. Danso

    Ich denke du hast nicht Recht. Ich bin sicher. Schreiben Sie in PM.



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