Der Payola-Skandal heizt sich auf

Der Payola-Skandal heizt sich auf

Der Payola-Skandal erreicht am 11. Februar 1960 ein neues Maß an öffentlicher Bedeutung und rechtlicher Bedeutung, als Präsident Eisenhower ihn als eine Frage der öffentlichen Moral bezeichnete und die FCC ein neues Gesetz vorschlug, das die Beteiligung an Payola als kriminelle Handlung vorsah.

Was genau war Payola? Während der Anhörungen des Kongressabgeordneten Oren Harris (D-Arkansas) und seines mächtigen Unterausschusses für die gesetzgebende Aufsicht – frisch von seiner Untersuchung zur Manipulation von Quizshows – wurde der Begriff manchmal als pauschale Bezugnahme auf eine Reihe korrupter Praktiken im Radio verwendet und Aufnahmebranchen. Aber innerhalb des Musikgeschäfts bezog sich Payola speziell auf eine Praxis, die fast so alt war wie die Branche selbst: einen populären Hit zu produzieren, indem man für Hörspiele bezahlt.

Als die Payola-Anhörungen im Februar 1960 begannen, wurde die Öffentlichkeit mit Geschichten über eine aufwendige Diskjockey-Convention in Miami verwöhnt, die von verschiedenen Plattenfirmen gekauft und bezahlt wurde. Ein Diskjockey, Wesley Hopkins von KYW in Cleveland, gab zu, im Laufe von 1958 und 1959 12.000 Dollar an „Hörgebühren“ von Plattenfirmen für die „Bewertung der kommerziellen Möglichkeiten“ von Schallplatten erhalten zu haben. Ein anderer DJ namens Stan Richard von der Station WILD in Boston gab ebenfalls zu, Tausende von Dollar von verschiedenen Plattenveranstaltern erhalten zu haben Verteidigung von Payola und vergleicht es damit, „zur Schule zu gehen und dem Lehrer ein besseres Geschenk zu machen als dem Kollegen am nächsten Schreibtisch“. Er verglich es praktisch mit Motherhood und Apple Pie: „Dies scheint die amerikanische Lebensweise zu sein, die eine wunderbare Lebensweise ist. Es basiert in erster Linie auf Romantik – ich werde für dich tun, was wirst du für mich tun?“ Es war dieser Kommentar, der Präsident Eisenhower dazu veranlasste, am 11. Februar 1960 mit seiner Verurteilung von Payola einzugreifen.

Aber was erklärt die Beteiligung des Kongresses an dieser Frage? Technisch gesehen ging es dem Harris-Komitee um den Missbrauch des öffentlichen Vertrauens, da die Funkwellen, über die Radiosender ihre Signale ausstrahlen, Eigentum des Volkes der Vereinigten Staaten sind. 1960 war jedoch auch ein Wahljahr, und Rep. Harris und seine Kollegen im Unterausschuss wollten unbedingt auf der rechten Seite einer weithin sichtbaren „moralischen“ Frage gesehen werden. Obwohl allgemein bekannt ist, dass die berühmten Anhörungen zu Payola im Jahr 1960 die Praxis lediglich neu organisierten, anstatt sie auszurotten, bewirkten diese Anhörungen in diesem Jahr zwei sehr konkrete Dinge: Sie bedrohten die Karriere des Amerikanischer Musikpavillon's Dick Clark und sie haben den Mann zerstört, der dem Rock'n'Roll seinen Namen gab, den legendären Cleveland-Diskjockey Alan Freed.


Alan Freed

Albert James "Alan" befreit (15. Dezember 1921 - 20. Januar 1965) war ein US-amerikanischer Discjockey. [1] Er produzierte und förderte auch große Wanderkonzerte mit verschiedenen Acts und trug dazu bei, die Bedeutung der Rock'n'Roll-Musik in ganz Nordamerika zu verbreiten.

1986 wurde Freed in die Rock n Roll Hall of Fame aufgenommen. Seine "Rolle beim Abbau von Rassenbarrieren in der US-Popkultur in den 1950er Jahren, indem er weiße und schwarze Kinder dazu brachte, dieselbe Musik zu hören, machte die Radiopersönlichkeit 'an die Vorhut' und machte ihn 'zu einer wirklich wichtigen Figur'", so an den Geschäftsführenden Direktor. [2]

Freed wurde 1991 mit einem Stern auf dem Hollywood Walk of Fame geehrt und Rollen". [3]

Die Karriere des DJs wurde durch den Payola-Skandal, der die Rundfunkindustrie in den frühen 1960er Jahren traf, sowie durch die Vorwürfe, Songs, die er nicht geschrieben hatte, angerechnet zu haben, und durch seinen chronischen Alkoholismus zerstört. [5]


Der Payola-Skandal heizt sich auf - GESCHICHTE

1960 verblüffte der Payola-Skandal Amerika. Radio-DJs wurden heimlich dafür entlohnt, dass sie bei einigen Platten das Airplay bevorzugten. Präsident Eisenhower nannte es eine Frage der öffentlichen Moral und die FCC schlug ein neues Gesetz vor, das die Beteiligung an Payola zu einer kriminellen Handlung macht. Es war ein Missbrauch des öffentlichen Vertrauens, da die Funkwellen, über die Radiosender ihre Signale ausstrahlen, Eigentum des Volkes der Vereinigten Staaten sind. [1]

In Deutschland wurde jetzt eine Art Payola-Skandal von Udo Ulfkotte aufgedeckt, einem erfahrenen Reporter, dessen neues Buch Journalismus gekauftDort ist er auf Platz 7 der Bestsellerliste geklettert.

Ersjdamoo wurde erstmals durch einen Bericht von Peter Oliver über den CIA-Payola-Skandal in Deutschland aufmerksam Russland heute Network News, ausgestrahlt am 25. September 2014. Olivers Bericht ist aus irgendeinem Grund noch nicht auf der RT-Website zu finden.

Doch die Berichte über Ulfkottes Buch, Journalismus gekauft, sind an dieser Stelle von rein deutschen zu einigen spanischen Filialen übergegangen. Also zum Beispiel Spanien’s El Mundo berichtet, dass Ulfkotte, der für Frankfurt’s arbeitet Allgemeine Zeitung Zeitung, nennt Namen, einschließlich seiner eigenen. “Der Autor gibt zu, Geld von US-Geheimdiensten erhalten zu haben, um sich aus einem bestimmten Blickwinkel auf verschiedene Themen zu konzentrieren, und prangert an, dass dank dieser Art von Praxis nicht wenige der deutschen Nachrichtenagenturen in NATO-Propagandazweige.” [2]

Berichten zufolge [2] umfassen die Kanäle für die Payola, die an bestimmte deutsche Reporter gehen, …

  • Atlantik-Brücke
  • Trilaterale Kommission
  • German Marshall Fund
  • Amerikanischer Rat für Deutschland
  • Amerikanische Akademie
  • Aspen Institut
  • Institut für Europäische Politik

Ulfkotte behauptet, nach den El Mundo berichten, dass eine Liste mit den Namen der gekauften Journalisten routinemäßig unter den oben aufgeführten Organisationen zirkuliert und dass diese Namen dazu aufgerufen werden, “Nachrichten”-Berichte, Leitartikel und TV/Radio-Diskussionen zu inszenieren, um dazu beizutragen, die deutsche öffentliche Meinung zu dominieren. [2]

Der spanischsprachige Zweig der Russland heute Netzwerk bestätigt die El Mundo Prüfbericht. Ulfkottes Buch "bietet eine Vielzahl von Fällen, Namen und Beispielen für die Manipulation der deutschen öffentlichen Meinung, die von der US-Botschaft in Deutschland und verschiedenen internationalen Einrichtungen inszeniert wird".&8221 [3]

In Deutschland hat Ulfkotte einmal mehr die anhaltende Präsenz des CIA Mighty Wurlitzer enthüllt. Es war alles Teil der “Operation Mockingbird”, einer geheimen Kampagne der US-amerikanischen Central Intelligence Agency (CIA), um die Medien zu beeinflussen. Der US-Kongress untersuchte 1976 die CIA Wurlitzer [4], aber Ulfkottes Buch weist darauf hin, dass die Kreatur noch am Leben und wohlauf ist.

Die anhaltende Präsenz der CIA Mighty Wurlitzer wurde auch durch die jüngsten Enthüllungen angedeutet, dass die CIA daran gearbeitet hat, die Karriere des Kreuzzugsjournalisten Gary Webb zu zerstören. Webb, schreiben für die San Jose Mercury News, hatte Verbindungen zwischen dem Kokainhandel, Nicaraguas Contra-Rebellen und afroamerikanischen Vierteln in Kalifornien aufgedeckt. Die CIA duldete den Schmuggel von Kokain in die USA. Einige Leute begannen zu sagen, dass “CIA” wirklich “Cocaine Import Agency” bedeute. Am 18. September veröffentlichte die CIA einen Fundus an Dokumenten, die drei Jahrzehnte geheimer Regierungsoperationen umfassten. Die Berichterstattung von Gary Webb bescherte der CIA einen “-Bad-Hair-Day.” Zum Teil dank “einer Basis bereits produktiver Beziehungen zu Journalisten sahen die CIA-Beamten für öffentliche Angelegenheiten erleichtert zu, wie die größten Zeitungen der Welt waren Das Land rettete die Agentur vor einer Katastrophe und zerstörte dabei den Ruf eines aggressiven, preisgekrönten Reporters.” [5]


Alles durcheinander: Ein Historiker untersucht Rock'n'Roll…sorta

“Rock and Roll lässt sich am besten als Eintönigkeit mit einem Hauch von Hysterie zusammenfassen.” – Vance Packard

All Shook Up: How Rock ‘n’ Roll Changed America von Glenn Altschuler (Bild mit freundlicher Genehmigung von Goodreads)

Ich habe gerade ein Buch beendet, das irgendwie amüsant, irgendwie erstaunlich ist. Glenn Altschuler’s All Shook Up: Wie Rock ‘n’ Roll Amerika veränderte wird jeden amüsieren, der viel über Rockmusik und Rockmusikgeschichte weiß (ähem). Diese historische Darstellung des Aufstiegs des Rock'n'Roll in den 1950er-Jahren und seiner Entwicklung und seines Status bis in die frühen 2000er-Jahre geht weit über das hinaus, was wir Kulturgeschichte nennen.

In gewisser Weise ist das auch gut so, denn Altschuler kann sich auf Amerika als Gesellschaft konzentrieren und darauf, wie die Rock'n'Roll-Musik ins öffentliche Bewusstsein explodiert, nachdem er in einem Eintopf aus schneller Country-Musik geköchelt hat (denke an Hank Williams’ “Hey, Good Lookin'”) und Rhythm and Blues (denken Sie an Joe Turners ’'s “Shake, Rattle, and Roll”), beeinflussten die Teenager, ihre Eltern, Lehrer und andere Älteste und die soziale Struktur dieser Menschen Eltern unterstützt und unterstützt.

Die Hauptfiguren, die als Rock-and-Roll-Stars hervorgingen, –-Figuren wie Chuck Berry, Little Richard, Jerry Lee Lewis und natürlich Elvis – erhalten eine oberflächliche Behandlung, mindestens ebenso kursorisch wie Altschuler sie geben kann und seine Abschlussarbeit (siehe Titel) ausloten kann. Mit anderen Worten, Professor Altschuler interessiert sich mehr für die Effekte Rock'n'Roll auf die amerikanische Kultur als auf den Rock'n'Roll selbst.

Worauf Altschuler sich konzentriert, sind die Institutionen und Persönlichkeiten in der zweiten Gruppe, die ich vor ein paar Absätzen erwähnt habe – diese verschiedenen Ältesten. Viel von Alles durcheinander konzentriert sich auf die Machenschaften dieser Ältesten, um die aufkeimende Rock'n'Roll-Bewegung zu entgleisen. Eine dieser Machenschaften verdient weitere Diskussion, da sie für Altschulers These von zentraler Bedeutung ist.

Die Machenschaften, die Altschuler betrachtet, sind der Payola-Skandal, der die populäre Musikindustrie in den späten 1950er Jahren erschütterte. Der Skandal betraf Plattenfirmen, Radiosender und die größten Nichtmusiker der Ära, Discjockeys. Die beiden DJs, deren Karrieren Altschuler untersucht, sind heute beide historische Persönlichkeiten, obwohl einer lange vor dem anderen in Trotzkis metaphorischem Mülleimer landete. Alan Freed, der Discjockey aus Cleveland, dem weithin bekannt ist, dass er den Begriff geprägt hat, der dem von ihm verfochtenen Musikgenre seinen Namen gibt, Rock ‘n’ Roll, ist einer. Ein DJ aus Philadelphia, der seinen Radioauftritt in eine lange und erfolgreiche Karriere als Fernsehstar und Musikimpresario verwandeln konnte, ist der andere. Sein Name? Dick Clark. Die Reaktionen dieser beiden einflussreichen und ikonischen Persönlichkeiten in der Geschichte der Popmusik auf den Skandal, der so politisch vergiftet wurde, dass er eine Untersuchung des Kongresses auslöste, sagen dem Leser viel darüber, wer die Männer waren. Wie der leidenschaftliche und feurige, letztendlich bewundernswerte Freed durch den Payola-Skandal finanziell und persönlich zerstört wurde und wie Clark, der schlaue, sich selbst bewerbende Manipulator, der für immer den langweiligen Diplomaten spielte, überlebte und gut genug gedieh, um einer der mächtigsten zu werden Männer in der Popmusik seit Jahrzehnten ist eine Anschauung darüber, wie Musik ein Geschäft ist, zuerst, zuletzt und immer.

Freed hat sich teilweise selbst zum Scheitern verurteilt durch seine unerschütterliche Haltung, die sowohl Rock'n'Roll-Performer als auch ihr Publikum, die oben erwähnten Teenager, verteidigte. Sein Alkoholkonsum spielte wahrscheinlich auch eine wichtige Rolle bei seinem vorzeitigen Tod mit 43. Aber seine rechtlichen Probleme, beginnend mit einer Anklage wegen Anstiftung zu Aufruhr während einer Rockshow in Boston, als er seinem Publikum sagte, dass es von der Polizei wegen Tanzens gemobbt wurde, anstatt zu tanzen Sie saßen ruhig auf ihren Sitzen und “Es sieht so aus, als ob die Bostoner Polizei nicht möchte, dass Sie sich amüsieren,” führte zu seiner Zerstörung. In seinem Auftritt vor dem Kongress bestritt Freed, Payola genommen zu haben, und in einem seiner Kommentare außerhalb der Anhörungen scherzte er: „Was sie im Discjockey-Geschäft Payola nennen, nennen sie Lobbying in Washington.“

So machte sich Freed zur Zielscheibe. Was dabei geschah, war, wie Altschuler feststellt, unvermeidlich:

Bei der Kreation anwesend, blieb Freed ein Aushängeschild für Rock ‘n’ Roll, eine Cheerleader für viele umstrittene Künstler. Arrogant und streitsüchtig, selbst wenn er nicht zu viel getrunken hatte, war Freed leicht als wilder, gieriger und gefährlicher Mann darzustellen.

Dick Clark war das Gegenteil von Freed – seine öffentliche Persönlichkeit war ausnahmslos angenehm, sogar Vanille. Sein jungenhaftes Aussehen und seine Art machten ihn zu einer beliebten Figur, zuerst im Philly Radio (wo das Aussehen keine Rolle spielte) und dann im Philly TV (wo es wichtig genug war, dass seine TV-Show Musikpavillon wurde von ABC abgeholt und umbenannt Amerikanischer Musikpavillon). Clark vermied auch Kontroversen über sein Programm, indem er strenge Kleider- und Verhaltensregeln durchsetzte, was Alan Freed in seinem ABC-Programm nicht getan hatte Großer Beat, die abgesagt wurde, nachdem der schwarze Sänger Frankie Lymon (der mit seiner Gruppe die Teenagers den 50er-Jahre-Klassiker “Why Do Fools Fall in Love?” produzierte) mit einer weißen Zuschauerin tanzte. Als der Payola-Skandal zuschlug, war Clark so tief wie, vielleicht tiefer im Morast als Freed. Er besaß eine Teilbeteiligung an einer Plattenfirma und einem Vertrieb – und er hat die Platten dieser Firma häufig in seiner Show veröffentlicht, ein klarer Akt der Payola. Während Freed traditionelle Formen von Payola akzeptiert hatte (Bargeld und Geschenke für das, was er als “Beratung” mit Plattenfirmen bezeichnete, sowie gefälschte Songwriting-Credits, die ihm Tantiemen einbrachten, erhielt er Co-Songwriting-Credits für unter anderem Chuck Berry’ 8217s “Maybellene” und The Moonglows’ “Sincerely”), war Clark Inhaber einer Plattenfirma und hielt die Urheberrechte an über 150 Songs (einschließlich Klassikern wie The Crests’ “Sixteen Candles”), keiner von die er schrieb.

Aber als er vor dem Kongress aussagte, nutzte Clark sein jungenhaftes gutes Aussehen und seinen Vanille-Stil (jedenfalls für ihn). Er versicherte dem Untersuchungsausschuss, dass er sich seiner Interessen in der Musikindustrie entledigt habe (was zu seinem finanziellen Vorteil zutraf) und dass er sich nie an Payola-Praktiken beteiligt habe (was falsch war – auch zu seinem großen) finanzieller Vorteil). Im Gegensatz zu Alan Freed war Clarks Beziehung zu seinen Vorgesetzten, der Polizei und anderen Justizbehörden und Eltern jedoch versöhnlich und zuvorkommend. Was Clark dann auf Kosten seiner persönlichen Glaubwürdigkeit bei einigen seiner Zuhörer tat, war, seine eigene Haut zu retten:

In seiner Aussage vor dem Unterausschuss suchte Clark nach einem Raum zwischen der Scylla der Selbstbeschuldigung und den Charybdis der Nicht-Kooperation. Es ging ihm mehr um die Begrenzung seiner eigenen Haftung als um die Verteidigung des Musikgeschäfts.

Clark hat die Payola-Untersuchungen natürlich überlebt. Als Reaktion darauf drängte er amerikanischen Teenager-Künstlern und Musik auf, die der große Rockkritiker Nik Cohn “High School” nannte: eindringliche Lieder über die Liebe von Teenagern, gesungen von Pop-Idolen wie Frankie Avalon, Fabian und Bobby Rydell.

Und darin liegt der nächste Teil der Geschichte. Der Payola-Skandal gelang es, den wilden Geist des Rock'n'Roll zu zerstören, wie er Mitte der 1950er-Jahre in Amerika auftauchte. In Verbindung mit dem Tod von Buddy Holly und Eddie Cochran, dem ersten von vielen Versuchen einer religiösen Erlösung durch Little Richard, der Inhaftierung von Chuck Berry aufgrund von Moralvorwürfen, Jerry Lee Lewiss katastrophalen Ehen und rechtlichen Verstrickungen und Elvis Presleys Armeeeinführung , amerikanischer Rock'n'Roll würde fast in Vergessenheit geraten.

Altschuler bemerkt jedoch im abschließenden Kapitel von Alles durcheinander dass England nicht unter den kulturellen Kämpfen um Rock and Roll litt wie Amerika. Sie nahmen auch nicht den Schlock-Rock von Dick Clarks Schützlingen an. Stattdessen hörten britische Kinder die Musik des großen amerikanischen Rock and Rollers und brachten sie Mitte der 1960er Jahre British Invasion nach Amerika. Mit den fabrizierten Teenie-Idolen, die von den Beatles, den Rolling Stones und ihren Landsleuten beiseite gefegt wurden, entwickelte sich Rock'n'Roll in den nächsten 30 Jahren zu Rock und regierte die amerikanische Popmusik und veränderte die amerikanische Kultur tiefgreifend.

Altschuler ist in diesem Bereich am wackeligsten. Sein Interesse gilt, wie ich eingangs erwähnt habe, nicht der Rockmusik oder ihren Musikern. Das wird nirgendwo deutlicher als im letzten Absatz von Alles durcheinander:

In dem halben Jahrhundert, seit Rock ‘n’ Roll seinen Namen erhielt (das Buch wurde 2005 veröffentlicht), hat die Musik viele Formen angenommen, darunter R&B (!), romantischer Rock, Heavy Metal, Punkrock, Grunge Rock, Christian Rock und postmoderner feministischer Rock. Mehr denn je frustriert es jeden, der ihm eine rigorose, musikalische Definition geben will. Es hat immer noch Legionen fanatischer Fans und wilder Feinde, die bereit sind, Madonna (!), Bono oder J. Lo mehr als nur ihre Loyalität oder Antipathie zu versprechen. (!!) Die Musik, die Amerika in den 1950er und 60er Jahren veränderte, Rock ‘n’Roll, festigt weiterhin das Jugendbewusstsein….

Man kann nur erwarten, dass Altschulers nächstes Buch davon handeln könnte, wie das Internet oder die sozialen Medien unsere Kultur verändert haben.


Schlüsselwörter

Sudip Bhattacharjee ist Assistant Professor für Management Information Systems am OPIM Department der University of Connecticut. Die Forschungsinteressen von Dr. Bhattacharjee liegen im Design und der Analyse verteilter Computersysteme, der Ökonomie von Informationssystemen und der Integration von Lieferketten. Seine Forschung wurde in verschiedenen Zeitschriften veröffentlicht oder wird in Kürze erscheinen, darunter INFORMS Journal on Computing, Journal of Business, Communications of the ACM, IEEE Transactions on Systems, Man and Cybernetics, European Journal of Operational Research und anderen Zeitschriften- und Konferenzbänden. Seine Forschung wurde in verschiedenen Medien wie Business Week, Washington Post, San Francisco Chronicle, Der Spiegel, Christian Science Monitor, slashdot.org und anderen hervorgehoben.

Ram Gopal ist GE Capital Stiftungsprofessor für Betriebswirtschaft und außerordentlicher Professor für Betriebs- und Informationsmanagement an der School of Business der University of Connecticut. Derzeit ist er als PhD-Direktor für die Abteilung tätig.Seine aktuellen Forschungsinteressen umfassen die Ökonomie des Managements von Informationssystemen, Datensicherheit, wirtschaftliche und ethische Fragen im Zusammenhang mit geistigen Eigentumsrechten und Multimediaanwendungen. Seine Forschungen wurden in Management Science, Operations Research, INFORMS Journal on Computing, Information Systems Research, Communications of the ACM, IEEE Transactions on Knowledge and Data Engineering, Journal of Management Information Systems, Decision Support Systems und anderen Zeitschriften und Konferenzbänden veröffentlicht.


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DAS ERSTAUNLICHSTE an Dick Clark ist nicht, dass "Amerikas ältester lebender Teenager" noch mit 61 Jahren in diese Rolle passt. Es ist nicht so, dass er einer der erfolgreichsten (und reichsten) Menschen im Showbusiness ist. Es ist nicht einmal die Tatsache, dass fast alle großen (und viele nicht so großartige) Künstler in der Geschichte des Rock 'n' Roll auf seiner erschienen sind Amerikanischer Musikpavillon. Das Erstaunlichste an Dick Clark ist, dass er nicht tanzen kann. Er hat es zugegeben. Dick Clark hat zwei linke Füße.

Ab dem 5. August 1957, dem Montagnachmittag, als er die Leitung des am längsten laufenden Varieté-Programms im Fernsehen übernahm, brachte Dick Clark zuerst täglich und dann wöchentlich den Tanz in Millionen von amerikanischen Haushalten. Über drei Jahrzehnte lang erschienen Tausende von gut geschrubbten Kindern vor der Amerikanischer Musikpavillon Kameras, um den Stroll, den Twist, den Bump, den Fly, den Jerk, den Hully-Gully, den Frug, den Loco-Motion, den Philly Dog, den Madison, den Affen und das wer-weiß-was zu vielen Tausenden zu tanzen von Aufzeichnungen. Aber Dick Clark hat sich ihnen nie angeschlossen. Nicht, dass er die Zeit hatte, um zu sehr damit beschäftigt zu sein, eine amerikanische Ikone zu erschaffen. Und ein Imperium.

In 1990 Amerikanischer Musikpavillon existiert nicht mehr. Clark hat sich vor mehr als einem Jahr endgültig aus der Show zurückgezogen und beschreibt ihren aktuellen Status als "in der Schwebe". Das macht ihn jedoch kaum zu einem müßigen Mann. Seine Dick Clark Productions prägt jedes Jahr Dutzende von Fernseh-, Radio- und Filmprojekten und Clarks Tempo ist nicht weniger hektisch als währenddessen Musikpavillon's Blütezeit: Er moderiert Specials, wie die jährliche Silvester Rockin'Eve und der Amerikanische Musik Preise, eine Nacht Gefahr-Likegame-Show (Herausforderer) und sein immer lächelndes Gesicht ziert unzählige andere Programme. Er hat viel zu lächeln und seine harte Arbeit hat sich in der Höhe eines persönlichen Vermögens von geschätzten mehr als 100.000.000 Dollar ausgezahlt.

Während seine Geschichte nicht ganz vom Tellerwäscher zum Millionär ist, ist Clark nicht durch Glück oder Faulheit dorthin gekommen, wo er ist. Schon immer ein ehrgeiziger Workaholic, war seine Karriere von klugen Bewegungen geprägt, sein Blick ist scharf auf Trends in der Populärkultur gerichtet und wie man sie am besten für die Massen verpacke. Clark hat oft gesagt, dass er keine Kultur macht, sondern sie verkauft. Und niemand in der Unterhaltungsbranche ist ein besserer Verkäufer.

Richard Wagstaff Clark wurde am 30. November 1929 in Mount Vernon, New York, als Sohn von Richard Augustus Clark, einem Verkaufsleiter einer Kosmetikfirma, und Julia Clark geboren. Ein älterer Bruder, Bradley, wurde im Zweiten Weltkrieg getötet. "Fast ein Jahr lang", schrieb Clark später in seiner Autobiographie, Rock, Roll & Denken Sie daran, »Ich habe damit fertiggemacht, indem ich die Außenwelt so weit wie möglich ausgeschaltet habe.« Eine der Fluchtmöglichkeiten bestand darin, Radio zu hören. "Es schien so romantisch, die ganze Nacht wach zu bleiben und Platten zu spielen und dafür bezahlt zu werden", schrieb er.

Nach dem Abschluss von A.B. Davis High School 1947 zogen Clark und seine Familie nach Utica, New York, sein Onkel hatte den nahegelegenen Radiosender WRUN gekauft und der ältere Richard Clark wurde als Verkaufsleiter eingestellt. Zur gleichen Zeit wurde Dick Clark angeheuert – er leitete die Vervielfältigungsmaschine, füllte Umschläge, verteilte Memos. Bald las er Wetterberichte und Nachrichten.

Als der Sommer zu Ende ging, begann Clark, die Syracuse University zu besuchen, wo er Radio- und Werbekurse belegte. Er bekam schnell einen Platz beim Campusradio WAER und wechselte in seinem Abschlussjahr zum Lokalsender WOLF.

Clark schloss das College im Juni 1951 mit einem B.S. Studium der Betriebswirtschaftslehre in der Hand und entdeckte prompt das Fernsehen als Nachrichtensprecherin beim kleinen WKTV in Utica. Schon damals gab es keinen Zweifel, wohin er wollte. "Er war voller Ehrgeiz", sagte Sendermanager Michael C. Fusco dem New Yorker Post Jahre später. »Als ich ihn eingestellt habe, hat er mir offen gesagt, er wolle nur ein Jahr bleiben. Ich hasste es, ihn zu verlieren, aber er war viel zu gut für eine Station unserer Größe.“

Clark hielt sein Versprechen und zog 1952 nach Philadelphia, wo er zunächst als Ersatzansager im Sommer beim Radiosender WFIL arbeitete, wo er moderierte Dick Clarks Caravan Of MusicProgramm. Im Juni heiratete er seine Highschool-Freundin Bobbie Mallery.

Im September desselben Jahres startete der Fernsehsender der WFIL, Kanal 6, ein neues Programm, Musikpavillon, um sein Nachmittagsfilmprogramm zu ersetzen, das bombardiert worden war. Bob Horn, ein DJ im WFIL-Radio, moderierte eine Sendung namens Bob Horns Musikpavillon und überzeugte die Senderleitung, dass sich das Konzept gut auf das aufstrebende neue Medium übertragen lässt. Mit Tony Mammarella produziert, Musikpavillon im Oktober 1952 in den TV-Sendern, Horn stellte Gast Dizzy Gillespie vor und schnitt zwischen Künstlerinterviews zu musikalischen Filmausschnitten.

Es war jedoch nicht ganz die richtige Formel. Horn nahm ein Stichwort von einer Radiosendung namens Der 950-Club: Bringen Sie Kinder dazu, zur Musik zu tanzen. Der Sender beauftragte Horn mit Lee Stewart als Partner, und das Programm wurde sofort ein Erfolg. Die Kinder tanzten zu aktuellen Hits, stellten sich vor und sagten, von welcher Schule sie kamen, und kritisierten die gehörten Platten.

Bob Horn wird zugeschrieben, das Rate-A-Record-Segment von . eingeführt zu haben Musikpavillon, und es war während seiner Amtszeit, dass die unsterbliche Zeile "Es hat einen guten Beat und man kann dazu tanzen" zum ersten Mal gehört wurde. (Trivia-Anmerkung: der am schlechtesten bewertete Song aller Zeiten Amerikanischer Musikpavillon war "The Chipmunk Song", das mit 35 bewertet wurde, die niedrigste Punktzahl, die ein Rekord in der Show erzielen konnte. Es wurde eine Million Exemplare verkauft.)

Stewart verließ die Show 1955 und Horn wurde ein Jahr darauf entlassen, nachdem er wegen Trunkenheit am Steuer verhaftet worden war. Im Juli 1956 bot Mammarella Dick Clark die Stelle an, dessen Radioprogramm nicht zufällig auch die Musikpavillon zwischenzeitlich benennen. Clark debütierte am 9. Juli 1956. Eine andere Sache hatte sich auch verändert: die Musik. Jetzt tanzten die Kinder zu etwas, das man Rock’n’Roll nannte.

Der Nummer-eins-Song auf Musikpavillon's "Teenage Top Ten" an dem Tag, an dem Dick Clark die Leitung übernahm, wurde "Stranded In The Jungle" von den Jayhawks. Clark war keineswegs ein Fan von Rock’n’Roll-Musik und gab zu, dass er sie zunächst nicht „verstand“. Aber er wuchs, um es zu genießen und in kurzer Zeit einen Hit zu riechen.

Mit der Popularität des Programms wuchs auch Clarks Macht in der Musikindustrie. Radiosender sprangen auf Schallplatten, die die Musikpavillon Kinder mochten, und Promo-Männer von Plattenfirmen drückten ihm ständig 45er ins Gesicht. Clark ließ sich jedoch nicht dazu drängen, eine Schallplatte zu spielen. Und was noch wichtiger ist, er ließ nicht zu, dass Airplay in der Show gekauft wurde, ein Punkt, der einige Jahre später seine Karriere retten würde.

Musikpavillon war jedoch nicht unbedingt eine Rock’n’Roll-Show. Popsänger wie Tony Bennett und Al Martino waren ebenso zu Gast wie jeder Rocker, aber auch Country- und Jazz-Künstler waren vertreten.

War auch nicht Musikpavillon getrennt. Während schwarze Künstler buchstäblich seit dem ersten Tag in der Show zu sehen waren, waren die Tänzer alle weiße Kinder, bis Dick Clark darauf bestand, sich zu integrieren. "Schauen Sie, es war einfach zu schmerzlich offensichtlich, dass Rock 'n'Roll &mdash und im weiteren Sinne Musikpavillon &mdash verdankte seine Existenz den Schwarzen, ihrer Kultur und ihrer Musik", sagte er Michael Shore in dem Buch Die Geschichte des amerikanischen Musikpavillons. "Es wäre lächerlich, peinlich gewesen nichtum die Show zu integrieren."

Musikpavillon war populärer geworden, als sich die WFIL je vorgestellt hatte, was als Zeitfüller für die freien Nachmittagsstunden begann, war zu einem Magneten für lokale Teenager geworden. Einige der Kinder, die regelmäßig auf dem Programm tanzten, wurden selbst bekannt. Am Bahnhof erhielten sie Post. Jeden Tag bildeten sich Schlangen vor den Studiotüren, und die Kinder hofften, es nach drinnen zu schaffen, um in der Show zu erscheinen. Musikpavillon war jetzt die am höchsten bewertete Nachmittags-TV-Show in jeder amerikanischen Stadt. Clark dachte, die Show könnte für Zuschauer außerhalb der Gegend von Philadelphia von Interesse sein. Er war nicht der einzige: In anderen Städten entstanden Klonshows.

Clarks Enthusiasmus wurde nicht sofort von Netzwerkmanagern geteilt, von denen einer laut Clark selbst ausrufen hörte: "Wer zum Teufel möchte Kinder in Philadelphia tanzen sehen?" Aber die Zahlen sprachen die Wahrheit und im Juni 1957 die Der Sender ABC-TV erklärte sich bereit, Clark und seinem Programm einen fünfwöchigen Probelauf mit 90 Minuten pro Tag zu gewähren. Am 5. August BandStand wurden Amerikanischer Musikpavillon.

Etwa 67 Stationen durchgeführt Amerikanischer Musikpavillon An diesem ersten Tag spielte Dick Clark Schallplatten, stellte den Gästen Billy Williams und die Chordettes vor und die Kinder tanzten.

Die Kritiker waren nicht beeindruckt. "Als soziologische Studie über das Verhalten von Teenagern war die Premiere ein leichter Erfolg", sagte RechnungPlanke. "Als Entspannung und Unterhaltung war es nicht&hellipEin lokaler Hit, die Serie wird Philadelphias Ruf als ruhige Stadt auf nationaler Ebene nicht helfen."

Daraus resultierte natürlich nicht nur der nationale Erfolg von Amerikanischer Musikpavillon, aber die Erhebung von Philadelphias Status zu einem Barometer für nationale Musiktrends. Es war nicht nur wichtig, welche Platten Clark spielte und die Teenager mochten es, Performer zu sein vonPhiladelphia könnte ein gewisses Maß an Erfolg garantieren. Die sogenannten Teenie-Idole &mdash Bobby Rydell, Frankie Avalon, Fabian etc. al. &mdash wurde sofort zu Teenie-Träumen, hauptsächlich aufgrund ihrer Exposition auf Musikpavillon. Lokale schwarze Künstler wie Chubby Checker, die Orlons und Dee Dee Sharp (von denen viele bei den in Philadelphia ansässigen Cameo-Parkway-Labels unter Vertrag standen) wurden später landesweit erfolgreich. Aber gerade dabei sein Amerikanische BandStand war ein Schub, und praktisch jeder wichtige frühe Rock 'n' Roll-Künstler, außer Elvis (und später die Beatles), trat in der Show auf.

Das taten auch nicht wenige, die keinen Erfolg hatten. Ufer's Musikpavillon Das Geschichtsbuch enthält eine vollständige Liste der Top 100-Songs, die vom ursprünglichen Künstler der Show lippensynchronisiert wurden (Künstler haben erst viel später in der Geschichte des Programms live gesungen und selbst dann haben fast alle die Worte in ihre Platten aufgenommen), aber es gibt Es gibt viele Sendetermine, bei denen kein Künstler aufgeführt ist, was im Allgemeinen bedeutet, dass die Aufnahme der Tagesgäste durch den Auftritt des Künstlers nicht wesentlich unterstützt wurde.

Dick Clark hat immer behauptet, dass es nichts gab, was er oder irgendjemand anderes tun könnte, um eine schlechte Platte zu einem Hit zu machen, dass es in den Grooves lag, dass die Kinder sie entweder mochten und sie kauften oder nicht.

Das hielt einige seiner Kollegen in der Rundfunkbranche nicht davon ab, zu versuchen, einer Platte zu "helfen" und eine kleine Belohnung in Form von grünem Papier oder materiellen Gütern von jemandem anzunehmen, der ein berechtigtes Interesse daran hat, dass die Platte gut läuft.

Der Payola-Skandal von 1959-60 war eine der dunkleren Episoden in der Geschichte der Rockmusik. Aus Gründen die etwas unklar bleiben &ndash noch alle auch klar &ndash die US-Regierung beschloss damals, gegen die Praxis vorzugehen. Es war weit verbreitet, wenn auch illegal, und die Regierung wollte, dass es gestoppt wird.

Die Wurzeln der Payola-Anhörungen lassen sich auf die Gründung der BMI (Broadcast Music Inc.) im Jahr 1939 und ihre Rivalität mit ASCAP (American Society of Composers, Authors and Publishers) zurückführen. Obwohl die Situation zu komplex ist, um sie im Rahmen dieses Artikels zu diskutieren, kam es Mitte der 50er Jahre zum Höhepunkt des Krieges, als BMI zum Ziel der Kritik (und Klagen) nicht nur von ASCAP, sondern auch von verschiedenen Songwriter-Verbänden wurde. deren alteingesessene Tin Pan Alley-Songwriter sich von der neuen Rock’n’Roll-Industrie bedroht fühlten, die auf ihre eigenen Autoren angewiesen war.

Dies und die wahrgenommene Bedrohung durch den Rock’n’Roll im Allgemeinen durch die Erwachsenen der Nation führten dazu, dass der Kartellunterausschuss des Justizausschusses des Repräsentantenhauses in Washington die sogenannte Payola-Praxis untersuchte. Auf der Suche nach einem Weg, Rock’n’Roll &mdash zu stoppen, und sie hofften, BMI &mdash begann der Unterausschuss Anhörungen über Payola abzuhalten, eine gängige Praxis in der Musikindustrie seit hundert Jahren. Wenn sie beweisen könnten, dass die Rock’n’Roll-Discjockeys Geschenke als Gegenleistung für das Abspielen von Platten annahmen, könnten sie diese nationale Bedrohung loswerden, die von Elvis Presley und seinen fetthaarigen Legionen angeführt wird.

Der Skandal brachte mehr als eine Rundfunkkarriere zum Scheitern, vor allem die des bahnbrechenden Rock 'n'Roll-Discjockeys Alan Freed. Freed, der damals für den mächtigen New Yorker Radiosender WABC arbeitete, hatte sich geweigert, eine eidesstattliche Erklärung zu unterschreiben, in der es hieß, er habe sich geweigert, Payola oder Bestechungsgelder für das Abspielen von Schallplatten über die Luft anzunehmen. Er wurde verurteilt, mit einer Geldstrafe belegt und zu einer Bewährungsstrafe verurteilt, aber seine Karriere wurde durch den Vorfall praktisch ruiniert. Er starb 1965 als gebrochener Mann.

Clark sagt in seinem Buch, dass er natürlich von Promo-Männern angesprochen wurde, die ihm im Austausch für Gefallen Bargeld geben wollten. Als er vor den Unterausschuss gerufen wurde, gab er sogar zu, dass er hatte akzeptierte Geschenke, darunter Bargeld, einen Pelz und Schmuck für seine Frau &mdash aber noch nie als Belohnung, um einen Rekord zu pushen. Darüber hinaus hatte er seit Beginn seiner Karriere im Jahr 1957 einen beträchtlichen Teil seines noch größeren Einkommens in musikgeschäftliche Angelegenheiten investiert besorgt war, musste hinter seinem Glück ein zwielichtiges Geschäft stecken. Irgendetwas muss nicht stimmen mit einem Typen, der so viel Geld mit dieser widerlichen „Musik“ verdient

Am 2. Mai 1960 war Clark an der Reihe, nach Washington zu gehen. Gegrillt von Politikern mit geringer Musik- oder Industrieausbildung, beantwortete er eine absurde Frage nach der anderen. Im Grunde war das, worauf sie herumstocherten, dass Clark hatte Bestechungsgelder anzunehmen, sonst würde er nicht so viel Müll spielen, dass er Frank Sinatra oder Mantovani spielen würde, alles außer Rock’n’Roll.

Clark behauptete sich. Er spielte, was die Kinder mochten, er spielte Hits, er nahm kein Geld. Er verteidigte seine Geschäftsinteressen und listete 33 davon auf, vom Musikverlag bis hin zu Stofftieren. "Sie sagen, Sie haben keine Payola, aber Sie haben eine Menge Royola", sagte Rep. Steven B. Derounian (R-N.Y.). "Ich versuche, diesen Jugendlichen, die ich zu kennen und zu verstehen glaube, gesunde Freizeitmöglichkeiten zu bieten", sagte Clark. Als alles vorbei war, wurde Clark freigesprochen. Er trennte sich von allen musikbezogenen Geschäftsinteressen und warf dabei schätzungsweise 8 Millionen Dollar weg. Ein Kongressabgeordneter nannte ihn einen „feinen jungen Mann“.

Amerikanischer Musikpavillon in den ླྀer Jahren gediehen. Als die Beatles &mdash Clark 1964 den Anruf verpassten, kein Potenzial sahen &mdash und ihre britischen Landsleute mitkamen, zog die Show nach Los Angeles. Schließlich wurde die tägliche Show zugunsten eines Wochenprogramms fallen gelassen.

Clark, der Dick Clark Productions zu Beginn seiner Karriere zum Zwecke der Diversifizierung gegründet hatte, schuf neue TV-Programme, einschließlich der Musikshows Woher Die Aktion ist, passiert und Im Konzert, und geförderte Filme, darunter Weil Sie sind jung und der Hippie-Klassiker von San Francisco aus dem Jahr 1968 Psych-Out. Spätere Filme (viele davon für das Fernsehen) enthalten Elvis und Die Geburt der Beatles. Er moderierte die erfolgreichen Radioprogramme The Dick Clark National Music Survey und Dick Clarks Rock, Roll and Remember.

Clark war auch außerhalb der Musikarena enorm erfolgreich und hat die Spielshow geschaffen $10.000 Pyramide (später verdoppelte er auf $20.000 und erhöhte dann weitere fünf Riesen), TV's Bloopers und praktisches Witze, Golden Globe Awards, American Music Awards, Country Music Awards und unzählige Sonderangebote. Es ist bekannt, dass er regelmäßig Programme in drei Netzwerken gleichzeitig laufen lässt.

Und Dick Clark hat Platten, Büchern und Videos seinen Namen verliehen (aus alten MusikpavillonEpisoden). Das Endergebnis ist das Endergebnis für Dick Clark: Wird es sich verkaufen? Wenn es so ist und es in den Rahmen dessen fällt, was er für gute Unterhaltung hält, wird Clark das Projekt wahrscheinlich übernehmen. Nicht alles, was seine Hände berührt haben, ist zu Gold geworden, aber genug muss ihn davon abhalten, sich Sorgen zu machen, woher das Abendessen von morgen kommt.

1959 begann er, Künstler auf "Caravan of Stars"-Tourneen mit auf Reisen zu nehmen, förderte Dutzende von Top-Namen des Tages und brachte integrierte Konzerte an Orte, die noch nie zuvor in Atlanta aufgetreten waren Machen Sie sich ein wenig Ärger, als Sam Cooke auf einer ansonsten ganz weißen Rechnung präsentiert wurde.

Clarks Aufgeschlossenheit gegenüber der Musik hat nie nachgelassen. Während er zugibt, dass er in den späten ླྀer Jahren aus dem Takt gefallen ist, ließ ihn die Ära von San Francisco von außen nach innen schauen, und Clark hat das Neue immer angenommen. Sein persönlicher Geschmack hat bei der Entscheidung über die von ihm gebuchte Musik nie eine Rolle gespielt. Wenn Interesse daran besteht, wird er sie buchen. Blick auf die Auflistung von Musikpavillon Gäste in den ྂer und ྌer Jahren, man staunt: Disco, Punk, Pop, Jazz, Rap, alle von Aerosmith (1973) über Janet Jackson (1982), Los Lobos (1985) bis zur Sugarhill Gang (1981), Bobby Sherman (1971) bis Madonna (1984) traten in der Show auf.

Dick Clark ist kein Mann, der sich mit der Vergangenheit beschäftigt. Obwohl er im folgenden Interview zugibt, dass er von allem, was er getan hat, am stolzesten ist Amerikanischer Musikpavillon, er ist ein unternehmer mit einem blick auf das, was als nächstes kommt, nicht auf das, was kommt und geht. Er ist sich seines eigenen Platzes in der Geschichte der Populärkultur des 20. Jahrhunderts sehr bewusst und trotzdem bescheiden."Das Größte an den ཮ern war, dass nichts passiert ist", sagte er einmal einem Reporter.

Das stimmt natürlich nicht. Rock’n’Roll passierte und Dick Clark’s Amerikanischer Musikpavillon war da, um es in Millionen von amerikanischen Wohnzimmern zu bringen und sicherzustellen, dass es nie verschwinden würde.

Goldmine: An diesem Punkt Ihrer Karriere könnten Sie es natürlich leichter angehen lassen, als Sie es tun. Dennoch sind Sie immer noch an einer Vielzahl von Projekten gleichzeitig beteiligt. Was hält dich in diesem Tempo weiter?

Dick Clark: Es ist immer herausfordernd und interessant. Es ist nicht immer großartig, aber es hält das Leben interessant und ich nehme an, das ist alles, was man von einem Beruf erwarten kann. Sobald Sie das Interesse daran verlieren, sollten Sie es wahrscheinlich nicht mehr tun.

Goldmine: Welchen Teil des Unterhaltungsgeschäfts bevorzugen Sie, die Unterhaltung oder das Geschäft?

Dick Clark: Ich denke, sie sind so vermischt, dass man sie nicht trennen kann. Jeder ist im Showbusiness, das macht es lustig.

Goldmine: Sie haben einmal gesagt, dass Sie Kultur nicht machen, sondern verkaufen. Gilt das noch?

Dick Clark: Ich denke, da steckt unglaublich viel Wahrheit drin. Ich denke, Kultur und Kunst kommen von den Künstlern. Die Leute, die es vermarkten, zur Verfügung stellen, Tickets verkaufen, es ins Fernsehen bringen, an Veranstaltungsorte senden, sind nur das Werkzeug, mit dem es die Öffentlichkeit erreicht.

Goldmine: Was umfasst Dick Clark Productions heute? Wie viele Projekte übernehmen Sie in einem bestimmten Jahr?

Dick Clark: Derzeit sind wahrscheinlich 30 oder 40 in Entwicklung, in aktiven Entwicklungsstadien, mehrere Hundert fliegen über den Flughafen und versuchen zu landen. Es läuft von Radio, Fernsehen, Kinofilmen und theatralisch für das Fernsehen.

Goldmine: Bevor Sie sich im Fernsehen einen Namen gemacht haben, haben Sie beim Radio gearbeitet. Was hat Sie anfangs am Medium Radio gereizt?

Dick Clark: Ich weiß es nicht. Ich habe in einem Tagebuch nachgesehen, das ich neulich hatte, und auf jeder zweiten Seite stand "Ich habe Radio gehört". Als Unter-Teenager war ich süchtig nach Radio. Damals gab es noch kein Fernsehen, als ich das Geschäft betrat, es war alles Radio. Ich war während der Entstehungszeit im Fernsehen. Ich begann ungefähr 1947 beim Radio und bis ཭ oder ཮ trat ich regelmäßig im Fernsehen auf.

Goldmine: Rock’n’Roll gab es damals noch nicht wirklich. Als es in den Mainstream kam, was hast du davon gehalten? Haben Sie sich als jemanden gesehen, der eine so wichtige Rolle bei seiner Entwicklung spielen könnte?

Dick Clark: Ich weiß nicht, wie ich das beantworten soll. Ich war genau im richtigen Moment da.

Goldmine: Warum denken Sie Musikpavillon in Philadelphia passiert? Könnte es woanders passiert sein?

Dick Clark: Musikpavillon ging 1952 auf Sendung und war ein sofortiger Erfolg mit zwei anderen Gastgebern, so dass es in Cleveland oder Buffalo oder Dallas oder Dubuque passieren konnte. Es war zufällig in Philadelphia, was günstig ist, denn es lag nicht nur im Osten, sondern auch in der Nähe von New York, es hatte auch eine eigene Musikindustrie. Es lief wahrscheinlich gut, weil ich damals glaube, dass Philly die viert- oder fünftgrößte Stadt war. In einer winzigen Kleinstadt wäre das vielleicht nicht passiert.

Goldmine: Waren die Anti-Rock’n’Roll-Kritiker von Anfang an auf Sie gerichtet?

Dick Clark: Zuallererst muss man feststellen, dass es von ཰ bis ཱི nicht viele Kontroversen gab. Sobald Rockmusik, Rhythm 'n'Blues und Country-Musik das Feld betraten, ging es heiß her, denn die Leute, die auf eine andere Welt eingestimmt waren und deren Geldbeutel damit verbunden waren, regten sich sehr auf, dass Neuankömmlinge vielleicht mitnehmen würden das Geld weg, was sie schließlich taten. Dabei versuchten sie, die Kunstform zu töten.

Goldmine: Wann haben Sie gemerkt, dass Sie als jemand, der Rekorde brechen kann, in der Branche an Bedeutung gewinnen?

Dick Clark: Nun, das Geheimnis war, dass das alle gesagt haben Musikpavillon war ein starkes Werbemittel für Musik, obwohl wir in Wahrheit ein riesiges Publikum hatten und was die Macht verursachte, waren die meisten&hellipIch weiß nicht einmal, ob sie sie damals Top 40-Radiosender nannten, aber diejenigen, die die populäre Musik spielten des Tages würde die kopieren [Musikpavillon]Playlist, dann springen Sie sofort auf [die in der Show gespielten Platten]. Also bekam man diesen doppelten Schlag, bei dem Radio und Fernsehen die gleichen Songs spielten und sie noch nicht einmal in die Charts eingestiegen waren. Es war also eine enorme Schlagkraft und wir waren die Leute, die die Anerkennung bekamen, und das nicht ganz zu Recht.

Goldmine: Sie müssen jeden Tag die aufdringlichen Promo-Männer im Rücken gehabt haben. Wie haben Sie gelernt, damit umzugehen und Abstand zu halten?

Dick Clark: Ich war sehr jung und unschuldig und herzlich und sie waren meine Freunde und lebten nur beim Fernsehsender. Sie würden aus der ganzen Welt einfliegen.

Goldmine: Wann kam das Rate-A-Record-Konzept in die Serie?

Dick Clark: Das war von Anfang an. Es war vom ersten Tag an da und war 1956 da, als ich das Amt übernahm.

Goldmine: Sie wurden zitiert, dass Sie von der ganzen Idee verwirrt waren.

Dick Clark: Ich bin immer noch verwirrt darüber. Sie reden immer noch über "Ich mag den Beat und es ist leicht zu tanzen." Sie sagen es seit 37 Jahren. Es schien nie den Erfolg des Albums zu beeinflussen, da einige von ihnen, die nur von den Kindern abgeschlachtet wurden, großen Erfolg hatten, während andere, die in den Himmel gelobt wurden, verschwanden.

Goldmine: Du hast immer gesagt, dass es nichts gibt, was die Kinder dazu bringen könnte, eine Platte zu kaufen, wenn sie nicht in den Rillen wäre.

Dick Clark: Das hat sich bis in die ྖer Jahre bewährt. Das war schon immer eine Wahrheit. Viele glauben es nicht, aber es ist wahr.

Goldmine: Haben Sie daran gedacht, mit der Show national zu werden, noch bevor das Netzwerk Sie darauf angesprochen hat?

Dick Clark: Oh, ja, das ist die Geschichte, wie ich in meiner jugendlichen Begeisterung mit einem Vertreter der WFIL, die jetzt WPVI ist, nach New York ging, um eine Bildröhre zu präsentieren &mdash wir hatten kein Tonband &mdash von der Show, die bekam 67 Prozent des Publikums in Philadelphia. Wir sagten, dass dies landesweit funktionieren könnte, und ihre Antwort war: "Wer zum Teufel möchte Kinder aus Philadelphia sehen, die zu Schallplatten tanzen?"

Also schickten sie einen Mann runter, um das Phänomen zu untersuchen, und er sagte: "Ich verstehe nicht, was sie hier haben, aber ich denke, sie haben Recht und Sie sollten es tun." Sie gaben uns schließlich eine fünfwöchige Probezeit. Es funktionierte.

Ich habe den Punkt jedoch verfehlt. Er schrieb mir einen Brief, in dem er sagte, rufen Sie uns nicht an, wir rufen Sie an. Der Brief liegt in meinem Büro. Ich rannte dorthin [nach New York] und sagte in meiner Begeisterung: "Du wirst unsere Show lieben", und ich denke, wir müssen sie überwältigt haben.

Goldmine: Sie haben viele persönliche Freundschaften unter den Gästen der Show entwickelt. Wer waren einige der Darsteller, denen Sie persönlich nahe standen?

Dick Clark: Es gab alle möglichen Leute. Ich arbeite immer noch mit Leuten zusammen, die ich vor 35 Jahren kannte, was die größte Freude meines Lebens ist. Ich tausche jetzt Fotos ihrer Enkelkinder aus und spreche über ihr Privatleben, und das passiert in der Unterhaltungsbranche selten. Ich habe gerade eine Einladung zu Rod Stewarts Hochzeit bekommen. Es geht von den ཮er bis in die ྖer Jahre. Es ist irgendwie schön. Du hängst an den Leuten fest, denen du unterwegs über den Weg läufst.

Goldmine: Aufgrund der Wurzeln der Show in Philadelphia wurden Sie oft mit den sogenannten Teenie-Idolen, den Frankie Avalons und Fabians, in Verbindung gebracht. Die Geschichte hat sie nicht freundlich behandelt. Wie denkst du jetzt über die Philly-Teenager-Idole der ཮er und frühen '60er?

Dick Clark: Weißt du, das Beschämende daran ist, dass sie immer abschätzig über Teenie-Idole sprechen und vergessen, dass Elvis Presley ein Teenie-Idol war, die Beatles waren Teenie-Idole, Bing Crosby und Frank Sinatra waren Teenie-Idole. Es ist eine dumme journalistische Sache, Künstlern gegenüber kritisch zu sein, die von der Jugend geschätzt werden.

Goldmine: Sehen Sie ein Kontinuum von Elvis und Fabian über die Beatles bis hin zu New Kids on the Block?

Dick Clark: Sicher. Die Osmonds und die Jackson Five waren Teenie-Idole. Jeder wird mit diesem abfälligen Schwarm bemalt. Es ist eine einfache und billige Aufnahme, wenn Sie ein Schriftsteller sind.

Goldmine: Wir haben vor kurzem einen Brief von Pat Boone von dieser Zeitschrift erhalten, und er denkt, dass er in den Geschichtsbüchern einen Pennerrap hat. Sind Sie einverstanden?

Dick Clark: Ja, nun, er ist intelligent genug, um damit umzugehen, also mache ich mir keine Sorgen um ihn, aber was ich mir Sorgen mache, sind Leute, die nicht mehr im Geschäft sind oder ständig kritisiert werden. Neulich bin ich Fabian in einem Flugzeug begegnet. Nun, hier ist ein Typ, der immer noch da draußen arbeitet, erwerbstätig ist, mit der Zunge in der Wange arbeitet und jeden Moment genießt und auf sein Glück zurückdenkt. Ich bin sicher, er weiß und gibt in der Öffentlichkeit zu, dass er nicht die großartigsten Pfeifen der Welt hat, aber der Mann ist ein Entertainer und die Leute, die ihn besuchen wollen, wollen ihn sehen und genießen er und was er tut. Also, was zum Teufel ist daran falsch?

Goldmine: Haben Sie das Gefühl, dass Sie auch einen Hintern bekommen, wenn Sie mit diesen Leuten in Verbindung gebracht werden?

Dick Clark: Am einfachsten zu schreiben, zum größten Teil in den späten ླྀer und frühen '70ern &mdash junge Leute, die keine Berührung mit dem Geschäft hatten und nicht damit aufgewachsen waren &mdash war, dass wir immer nur Philadelphia-Künstler gespielt haben , ohne zu ahnen, dass zwei Drittel der Leute in der Rock and Roll Hall of Fame ihr Debüt gaben Amerikanische BandStand. Sie schenkten den Chuck Berrys, den Little Richards, den Platters, den Pinguinen und all den Roots-Leuten keine Beachtung. Sie sagten immer, es seien die weißen Teenager-Idole.

Wenn ich Schriftsteller wäre, könnte ich da wohl anknüpfen, zusammen mit all den Roots-Leuten und all den Country-Leuten und all den Jazz-Leuten. Ja, wir hatten ein paar Teenie-Idole und wir hatten ein paar Leute aus Philadelphia.

Goldmine: Du hattest auch viele Mainstream-Pop-Leute, Frankie Laine&hellip

Dick Clark: Tony Bennett war jahrelang bei uns. Und [Johnny] Mathis, um Himmels Willen. Um uns also in eine Schublade zu stecken, nervt mich das wirklich. Es ärgert mich sehr, denn das war ein offener Laden für alle Arten von Musik, was auch immer verkauft wurde.

Ich kann mich erinnern, dass wir eines Tages in Los Angeles Herbie Alpert und Billy Preston hatten. Und es war akzeptabel und sollte immer akzeptabel sein. Es ist bedauerlich, dass wir in der Musik jetzt so segmentiert sind.

Goldmine: Wie war die Resonanz, als die Show integriert wurde?

Dick Clark: Die Show wurde künstlerisch vom ersten Tag 1952 oder ཱ. Sie hatten am ersten Tag keine Künstler, aber das geschah innerhalb von ein oder zwei Wochen. Einer der ersten war Dizzy Gillespie. Schwarze waren immer vertreten. Sie waren erst ཱི, ུ im Publikum.

Als ich ུ an der Show beteiligt war, begannen wir uns mit einem größeren Ziel zu integrieren, denn es war offensichtlich, dass dies passieren würde. Davor war es offensichtlich eine getrennte Show und hatte ein weißes Publikum, ein weißes Tanzen Publikum. Und Tatsache ist, dass es, als es integriert wurde, keine Wellen gab. Es interessierte niemanden, es gab keine Aufschreie, es gab keine bösen Briefe, es gab keine Faustkämpfe. Es ist einfach passiert. Die ganze Welt hätte so passieren sollen.

Goldmine: Doch als man mit den Caravan of Stars Touren unterwegs war und den Süden erreichte, war das überhaupt nicht so.

Dick Clark: Oh ja, darüber habe ich in meinem Buch geschrieben [Rock, Roll & Denken Sie daran, Thomas Y. Crowell Co., 1976], wenn Sie die Horrorgeschichten nachschlagen möchten. Das war keiner der angenehmeren Tage meines Lebens. Hier an meiner Wand hängt ein Poster &mdash Ich sammle Dinge &mdash auf der steht "Notice. Halt. Helfen Sie mit, die Jugend von Amerika zu retten. Kaufen Sie keine Neger-Platten." Es geht weiter mit einigen weiteren wunderbaren rassistischen Bemerkungen, die in den ྖer Jahren, sagen Sie, Gott, ich kann nicht glauben, dass diese Dinger an Laternenpfählen herumhingen. Wir würden in die Stadt schlendern und mit einem dieser Dinge konfrontiert werden. Es ist beängstigendes Zeug.

Darunter habe ich ein Bild vom ersten integrierten Konzert in Atlanta, Georgia, das wir veranstalteten, mit Sam Cooke als schwarzem Künstler auf einer ganz weißen Rechnung. Er spielte vor integriertem Publikum, was es noch nie zuvor gegeben hatte.

Goldmine: Sogar viele der Philly-Künstler, die Sie präsentiert haben, waren schwarz, Chubby Checker ist das prominenteste Beispiel.

Dick Clark: Und die Orlonen. Und Salomo Burke. Es ist alles Unsinn.

Goldmine: Sie haben es wahrscheinlich satt, über die Jahre 1959 und ླྀ [die Jahre des Payola-Skandals] zu sprechen&hellip

Dick Clark: Nein niemals. Das waren gute Jahre.

Goldmine: Obwohl sie bei den Payola-Anhörungen vor dem Kongress aussagen müssen?

Dick Clark: Das ist die dunkle Seite.

Goldmine: Sie haben gesagt, dass die Anhörungen zu Payola eine Frage der Gier waren, nicht der Moral. Wie hast du das gemeint?

Dick Clark: Absolut. Es ist nicht wie das, was wir jetzt sehen, was eine Kontroverse über die Bedeutung der Wörter ist und die Leute in der Lage sind, in der Öffentlichkeit schmutzige Worte zu sagen. Dies war absolut darauf zurückzuführen, dass hier eine Bedrohung für meinen Geldbeutel besteht. Und die Leute, die damals die Taschenbuchfäden hielten, die Musikverleger, die Old-Line-Autoren, die Künstler, die Plattenfirmen, sie versuchten gemeinsam, diese neue Form zu zerquetschen, weil sie Geld verlieren würden.

Und sie benutzten als Ausrede und brachten genug Leute dazu, zu denken, dass dies den moralischen Verfall der amerikanischen Jugend verursachen würde. Und viele Leute wurden davon mitgerissen, darunter viele prominente Broadway-Schauspieler und -Schauspielerinnen, Schriftsteller, beliebte Sänger der Zeit: Mitch Miller, Frank Sinatra, Helen Hayes. Hier ist ein wunderbares Zitat aus dem Jahr 1960 [liest]: "Kongressabgeordneter Tip O"Neill fordert, dass die FCC Payola untersucht und Amerikas Jugend vor Rock "n" ."

Goldmine: Sehen Sie einen Zusammenhang zwischen dem und der Zensurproblematik von heute?

Dick Clark: Nein, ich denke, es ist ein bisschen anders. Die Leute verstehen, wollen sich aber vielleicht nicht dem Problem stellen, dass Sie das Recht auf freie Meinungsäußerung unterschätzen, nur weil Sie schmutzige Worte stören? Es ist ein sehr haariges Problem. Sie abonnieren vielleicht nicht den lyrischen Inhalt oder den Denkprozess, der dahinter steckt, und die Rücksichtnahme auf Frauen ist in dieser ganzen Sache auch vermischt, aber das ist ein ganz anderes Thema. Ob Sie das selbst tun oder unterstützen wollen, ist fraglich.

Das Problem ist, dass Sie es nicht staatlich zensieren können, weil Sie dann in der Welt der Nazis sind. Wir haben zu hart gekämpft, um den ersten Verfassungszusatz und die Meinungsfreiheit zu bekommen, und Sie können sie jetzt nicht zurücknehmen.

Goldmine: Die Gerichte scheinen nicht einmal einen Konsens zu erzielen. Einer sagt, dass der Verkauf des Albums von 2 Live Crew illegal ist, aber ein anderer sagt, es sei in Ordnung, wenn sie dieselbe Musik vor Publikum aufführen.

Dick Clark: Es wird sich von selbst regeln. Es ist ein wirklich einfaches Problem, die Leute aufzuregen, denn wenn Sie einige der aktuellen Texte zitieren, ist dies für eine Denkweise die empörendste Sache der Welt. Es gibt Wörter, die Sie früher nicht in der Öffentlichkeit gesagt haben. Was diese Leute nicht verstehen, ist, dass sich die Sprache geändert hat, die Sitten sich geändert haben, die Welt hat sich geändert. Es ist wahrscheinlich das Spiegelbild einer großen Anzahl von Menschen, die damit kein Problem finden.

Goldmine: Sehen Sie die Zensurschlacht als Rassenproblem?

Dick Clark: Oh, ich bin mir sicher, dass es irgendwo mit dem feministischen Thema vermischt ist. Auch hier geht es nicht unbedingt wie damals in ཷ und ླྀ, um Geld.

Goldmine: Als du umgezogen bist amerikanisch Musikpavillon nach L.A. 1964 war es schwer für Sie, all die Kinder zurückzulassen, die zu Stammgästen der Show geworden waren? Wie hat sich dieser Schritt auf Sie und die Show ausgewirkt?

Dick Clark: Tatsächlich ist dies eine Voraussetzung für einen Film, der eines Tages gedreht werden könnte. Barry Levinson hatte es schon einmal finanziert Regenmann Schlag. Die ganze Welt hat sich in diesem Jahr verändert. Kennedy wurde ermordet, die Engländer kamen und übernahmen die Musikwelt, die Musikpavillon Von Philadelphia weggezogen, stiegen die Kalifornier an die Spitze der Popularität in der Musik und die ganze Welt drehte sich um. Dann kam nicht lange danach der Vietnamkrieg.

Goldmine: In Ihrem Buch gibt es eine Geschichte über das erste Mal, als Sie eine Beatles-Platte abgespielt haben: "She Loves You" auf Musikpavillon, und es hat einfach nicht geklickt. Die Kinder fanden es nichts besonderes und man sah nicht was kommt.

Dick Clark: Nein, das konnte ich mir gar nicht vorstellen. Ich war heute Morgen beim Zahnarzt und er sagte: "Dick, du hattest immer ein gutes Ohr für Hits und weißt, wann Leute Stars werden" und ich sagte schamlos: "Ja, ich bin ziemlich gut darin" #39t die zwei oder drei hervor, die ich gerne vergessen würde. Das habe ich definitiv vermisst.

Und logischerweise auch, denn die meiste Musik, die aus Übersee zu uns kam, war eine Überarbeitung von Sachen, die ich bereits durchgemacht hatte und die ich nicht verstehen konnte. Aber es war neu für die Öffentlichkeit. Und wenn sie nicht so ausgesehen hätten, wenn die deutsche Freundin von Stu Sutcliffe ihre Haare nicht so geschnitten und sie sich anfangs in Leder hätte kleiden lassen, wäre es in diesem Moment so wirkungsvoll gewesen? Wahrscheinlich ja, aber es hat bestimmt nicht geschadet. Auch heute noch, jemand wie Sin­ead O'Connor, bizarr auszusehen ist eine der Möglichkeiten, Aufmerksamkeit zu erregen.

Goldmine: Warst du enttäuscht, dass die beiden großartigen Acts es nie geschafft haben?Musikpavillon waren Elvis und die Beatles?

Dick Clark: Nicht enttäuscht, denn sie waren schon riesig. Wir haben uns mit dem Zweitbesten zufrieden gegeben: Wir bekommen Telefonanrufe von Presley und Videos von den Beatles.

Goldmine: Hat jemals eine Platte übersprungen? Musikpavillon?

Dick Clark: Es gibt viele solcher Geschichten, aber ich erinnere mich an keine davon. Es wurden Geschichten über Künstler geschrieben, die sagen, dass es ihnen passiert ist, also nehme ich an, dass es so war.Das einzige, an das ich mich genau erinnere, war das Auftauchen von Jimmy Dean und wir spielten die falsche Platte, wir spielten eine Dee-Clark-Platte. Paul Anka erzählt eine Geschichte, dass er einmal kam und der Rekord übersprungen wurde. Ich bin sicher, ein Künstler würde sich dessen viel bewusster sein als ein Zuschauer oder sogar ich. Ich könnte abgewiesen worden sein oder mit dem Kontrollraum gesprochen haben oder was auch immer.

Goldmine: Warum wurde die Show auf einmal pro Woche reduziert? War das Ihre Entscheidung oder die des Netzwerks?

Dick Clark: Das war ABCs Entscheidung, ganz sicher nicht meine. Ich vermute, dass die Sendermanager des Formats überdrüssig waren und dachten, sie könnten etwas anderes einbauen, das gedeihen würde. Die Wahrheit ist, dass sie die Zeit verloren haben.

Goldmine: Mitte der 1960er-Jahre hast du angefangen, neue Shows zu spielen, wie zum Beispiel Wo die Aktion istund Ereignis. Was stand hinter dieser Entscheidung?

Dick Clark: Wo die Aktion ist wurde als CBS-Sommerersatz für Jackie Gleason entwickelt. Es wurde aus verschiedenen Gründen abgelehnt und ein Typ von CBS fragte, ob wir es fünf Tage die Woche als halbe Stunde machen würden, und wir sagten ja. Es war ein wunderbares Fahrzeug für viele englische und amerikanische Künstler. Wir nahmen es mit nach draußen und machten Ski- und Strandplätze und Parks und Nachtclubs. Es war ein ziemliches Unterfangen.

Goldmine: Ich verbinde es eher mit den amerikanischen Gruppen wie Paul Revere und den Raiders als mit den englischen.

Dick Clark: Sie waren Stammgäste, aber wir hatten die Yardbirds, die Who, die Moody Blues, Billy J. Kramer.

Goldmine: Sie haben gesagt, dass Sie in den ླྀer Jahren angefangen haben, den Bezug zur Musik zu verlieren. Welche Musik hast du nicht gehört?

Dick Clark: Das war während der ersten psychedelischen Periode. Ich konnte es nicht herausfinden. Ich stand nicht auf Drogen, also ließ es mich zurück. Wir stellten die Künstler trotzdem vor, aber ich konnte nicht daran anknüpfen, weil ich nicht wusste, wovon zum Teufel sie redeten.

Goldmine: Doch Sie haben damals einen Film namens . produziert Psych-Out, das war ein klassischer Hippie-Film der ླྀer Jahre.

Dick Clark: Ja. Jack Nicholson schrieb das ursprüngliche Drehbuch. Es wurde nicht akzeptiert, aber er wurde ein Star. Es hieß ursprünglich Die Liebeskinder und sie haben den Titel geändert in Psych-Out Weil sie dachten, der Film würde von Bastardkindern handeln, als sie ihn an die Aussteller schickten, testeten sie den Titel und als er zurückkam, wussten sie nicht, was er bedeutete.

Goldmine: Fühlten Sie sich noch mehr von der Musik entfremdet, als Disco und Punk in den ྂer Jahren auftauchten?

Dick Clark: Als das Drogending seine Position einnahm, war alles in Ordnung. Ich hatte keine Probleme, Discomusik zu verstehen, es ist Tanzmusik. Punk war nur eine weitere Erweiterung von Little Richard und Screamin' Jay Hawkins.

Goldmine: Die Einschaltquoten der Show sprangen nicht wirklich, als die Disco auftauchte. Das ist überraschend.

Dick Clark: Wir haben die Folk- und die psychedelische Zeit durchlebt, als Tanzen noch nicht in Mode war. Die Show basierte nicht wirklich darauf, ob man gerne tanzte oder nicht, sondern ob man Leute in diesem Alter mochte. Was trugen sie, was taten sie?

Goldmine: Erinnern Sie sich an einen Auftritt einer Gruppe namens Public Image Limited im Jahr 1980 in der Show? Es war einer der bemerkenswerteren Momente im Rock’n’Roll-Fernsehen in den frühen 1980er Jahren.

Dick Clark: Oh sicher, [ehemalige Sex Pistol] Johnny Rotten, Johnny Lydon. Er fühlte sich nicht wohl, er war müde, also sagte er: "Ich werde keine Lippensynchronisation machen, ich werde einfach im Studio herumlaufen und Chaos anrichten", und wir sagten, gut. Es war ein sehr bizarrer Auftritt, aber typisch und unvergesslich.

Goldmine: Irgendwelche anderen Auftritte der letzten Tage, die auffallen?

Dick Clark: Oh, die Beastie Boys waren ziemlich denkwürdig. Das erste Mal, dass Madonna dabei war, war ziemlich aufregend. Das gleiche gilt für Cyndi Lauper. Das erste Mal trat Lionel Richie als Solokünstler auf. Prince war natürlich unvergesslich.

Goldmine: Bist du ein Fan der heutigen Musik?

Dick Clark: Du hörst nicht auf, ein Fan zu sein. Ein Fan von Musik zu sein bedeutet nicht unbedingt, dass Sie ein Fan aller Musik sind. Was Ihr persönlicher Geschmack ist, hat nichts mit dem zu tun, was Sie präsentieren möchten.

Goldmine: In der Musikindustrie gibt es heute eine Kontroverse um die Lippensynchronisation von Künstlern bei angeblichen Live-Konzerten. Einige Bundesstaaten erwägen Gesetze, die es verbieten. Was ist dein Gefühl dazu?

Dick Clark: Ich glaube nicht, dass es einen kleinen Unterschied macht, weil es den Fans von Madonna und New Kids und Milli Vanilli offensichtlich egal ist. [Hrsg. Hinweis: Dieses Interview wurde vor den jüngsten Enthüllungen darüber geführt, dass die beiden als Milli Vanilli bekannten Männer nicht die Sänger sind, die die Platte gemacht haben.] Solange die Leute, die die Musik mögen, gerne dabei sind und den Anlass genießen, müssen sie sich darum kümmern. Wenn es Sie stört, dann ist die einfache Lösung, dass Sie nicht gehen. Das ist eine weitere dieser falschen Voraussetzungen, um Leute in Raserei zu versetzen. Die Welt könnte morgen im Nahen Osten explodieren, das ist kein Grund, sich Sorgen zu machen.

Goldmine: Was hat Sie dazu bewogen, die Show abzubrechen?

Dick Clark: Ich näherte mich meinem 60. Geburtstag und die Show würde auf Kabel gehen und ich dachte, jetzt ist es an der Zeit, die Zügel zu übergeben.

Goldmine: Wie ist der aktuelle Stand der Sendung?

Dick Clark: Es ist im Moment in der Schwebe. Ich hoffe, dass es im nächsten Jahr oder so in irgendeiner Form passieren wird. Wir hatten einige interessante Anfragen dazu. Es ist einer der bekanntesten Namen, es ist eine Art Symbol. Ich denke, es wird in der einen oder anderen Form wieder im Fernsehen zu sehen sein.

Goldmine: Vermisst du es?

Dick Clark: Ja, sehr. So viele Jahre hängt man nicht an etwas herum und verpasst es nicht.

Goldmine: Wenn es zurückkommt, würden Sie es wieder hosten wollen?

Dick Clark: Nein, ich glaube nicht, aber ich würde gerne gelegentlich zurückgefragt werden, um etwas zu tun.

Goldmine: Vorhin haben Sie die Rock and Roll Hall of Fame erwähnt. Was ist dein Gefühl dabei?

Dick Clark: Ich hoffe aufrichtig, dass sie es schaffen. Es war ein langer, harter Kampf, der längst überfällig ist.

Goldmine: Sind Sie verärgert, dass Sie noch nicht aufgenommen wurden?

Dick Clark: Ich glaube nicht, dass es dafür einen Grund gibt.

Goldmine: Letztes Jahr hast du einen Kriminalroman geschrieben, Mord auf Tour [Geheimnisvolle Presse, 1989].

Dick Clark: Nein, das war von Geistern geschrieben. Es gab einen Buchproduzenten, der mich anrief und fragte, ob ich in einer Spielshow ein Mysterium machen möchte? Ich sagte: "Nein, nein, nein, was Sie tun wollen, ist Pat Sajak oder Merv Griffin zu bekommen." .

Goldmine: Gab es etwas, das Sie jemals in Ihrer Karriere unternommen haben, von dem Sie sich wünschten, dass Sie es nie getan hätten?

Dick Clark: Oh, ich bin mir sicher, dass es viele davon gibt, aber ich gehe nicht darauf ein. Manche Dinge, denkst du, warum habe ich das jemals getan. Es ist, als würde jeder Zahn in Ihrem Kopf gleichzeitig gezogen.

Goldmine: Wie haben Sie sich in Ihren 40 Jahren im Geschäft am meisten verändert?

Dick Clark: Ich denke, wie jeder reifer du viel. Ich wünschte, ich hätte ein bisschen mehr Reife gehabt, als ich anfing, aber das kapiert man nicht, wenn man in den Zwanzigern ist.

Goldmine: Aber hätten Sie tun können, was Sie getan haben, wenn Sie zu diesem Zeitpunkt 10 Jahre älter gewesen wären?

Dick Clark: Wahrscheinlich. Ich glaube nicht, dass das damit zu tun hatte, da meine Vorgänger älter waren. Das einzige, was mir geholfen hätte, wenn ich etwas älter und reifer gewesen wäre, hätte ich vielleicht einige der Fehler, die ich in Freundschaften gemacht habe, nicht gemacht. Es gab einige Leute um mich herum, von denen ich nicht wusste, dass sie nicht wirklich meine Kumpels waren.

Goldmine: Wie fühlt es sich an, mit 61 Jahren immer noch "Amerikas ältester lebender Teenager" genannt zu werden?

Dick Clark: Es ist, als wäre man Amerikas ältester lebender Bürgerkriegsveteran. Das wurde zuerst geschrieben inFernsehprogramm Vor über 20 Jahren, als Ausgrabungsstätte, nicht weniger. Ich sagte, das ist ein großartiges Geschäft. Es funktioniert sehr gut bei Einführungen, egal ob Sie eine Rede halten oder persönlich auftreten. Es zaubert ein Lächeln in die Gesichter der Leute, es ist offensichtlich augenzwinkernd und das Albernste, also bricht es das Eis.

Goldmine: Auf alles, was Sie in Ihrer Karriere geleistet haben, worauf sind Sie am stolzesten?

Dick Clark: Ich bin am stolzesten auf Musikpavillon weil es einen Punkt bewies, es blieb am längsten, es ist die am längsten laufende Varieté-TV-Show in der Geschichte &mdash, die in der Guinness-Buch der Rekorde. Es ist ein Teil von fast vier Generationen. Sie können nicht viel besser werden.

Artikel mit freundlicher Genehmigung von Dick Clark: The Beat Goes On, die Online-Bibliothek für Musikjournalismus. Für Schulen, die Rock's Backpages abonnieren möchten, klicken Sie bitte hier.

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Payola-Skandale zeigen, warum die Besteuerung von Leistungsrechten keinen Sinn macht

Wir haben in der Vergangenheit darauf hingewiesen, was für ein lächerlicher Widerspruch es ist, dass Rep. John Conyers sowohl gegen "Payola" gekämpft hat als auch gleichzeitig für eine Aufführungsrechtesteuer im Radio argumentiert hat (sogar so weit, dass er argumentiert, dass ein Mangel einer solchen Steuer entsprach Sklaverei). Das macht natürlich keinen Sinn. Grundsätzlich, wenn man dem eigentlichen überlassen bleibt Markt, räumt die RIAA implizit ein, dass es für Musiker sehr wertvoll ist, ins Radio zu gehen: Deshalb werden Radiosender so oft bezahlt. Der ganze Sinn der Performance Rights-Steuer besteht darin, die wirtschaftliche Gleichung in die entgegengesetzte Richtung zu zwingen. Die RIAA (und SoundExchange) bestehen darauf, dass die Aufführungsrechtesteuer notwendig ist, weil das Radio nicht mehr den gleichen Werbewert hat wie früher – aber wenn das der Fall ist, warum zahlen Labels dann weiterhin Geld für Payola-Angebote?

Offenbar wurde gerade ein weiterer Payola-Fall beigelegt, was Ars Technica dazu veranlasst, nicht nur darauf hinzuweisen, dass dies die gesamte Grundlage der RIAA für die Performance Rights-Steuer untergräbt, sondern auch auf die Payola-Deals, die in den letzten Jahren ans Licht gekommen sind:

Sony wurde 2005 für noch ungeheuerlichere Verstöße festgenommen (und viel mehr bezahlt). .

"Was Samstagabende angeht, müssen Sie Ihre Leute wechseln", heißt es in einer Nachricht eines Promoters. "Meine Jungs im Inneren sagen, dass jede Woche die gleichen Mädchen anrufen und dass sie nicht inspiriert genug sind, um auf Sendung zu gehen. Sie müssen aufgeregt sein. Sie müssen ausgehen, sich betrinken, oder in die heiße Röhre gehen [sic] oder in die Clubs gehen. Sie haben die Idee.“

Später in diesem Jahr zahlte das andere Major-Label Warner Music 5 Millionen US-Dollar aus, um seine eigenen Payola-Probleme zu lösen.

Im Jahr 2006 zahlte das weltweit größte Musiklabel Universal 12 Millionen US-Dollar für eine lange Geschichte von payola. Wie die New York Times feststellte, könnte die Payola viele Formen annehmen, einschließlich Reisen und Baseballtickets.

„Im April 2004 stellte Universal Herrn Michaels – inzwischen Programmierer bei WHYI-FM in Miami – ein Hotelzimmer in New York und Tickets für die New York Yankees zur Verfügung. Das Unternehmen buchte das Zimmer unter einem falschen Namen und benutzte ein falsches Social“ Sicherheitsnummer, um die Transaktion zu verbergen, heißt es im Dokument."

Mitte 2006 schließlich begleichte das letzte Major-Label, EMI, seine eigenen Payola-Gebühren mit einer Geldbuße von 3,75 Millionen US-Dollar.

2007 wurden die Sender gesprengt. CBS, Citadel, Clear Channel und andere zahlten mehr als 12 Millionen US-Dollar und unterzeichneten ähnliche Anti-Payola-Einwilligungsdekrete.

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Der Payola-Skandal heizt sich auf - GESCHICHTE

Ausschnitt aus einer Anzeige der Hartford Courant mit "The Big Beat Show" von Alan Freed, 6. März 1960.

1955 waren vielleicht die Rock'n'Roll-Konzerte im Hartford’s State Theatre der rassisch am stärksten integrierte öffentliche Raum in Connecticut. Trotz der weit verbreiteten Diskriminierung von Afroamerikanern in Beruf, Wohnung und Schule kamen hier schwarze und weiße Kinder auf einer gemeinsamen Basis zusammen. An der Kreuzung von Main, Morgan und Village Street gelegen, zeigte das State Theatre ein neues Musikgenre, das sowohl die amerikanische Kultur revolutionierte als auch eine weniger bekannte, aber bedeutende Rolle im Kampf für Rassengerechtigkeit spielte.

Die ersten Rock'n'Roll-Künstler, die in Hartford auftraten, waren die Penguins, ein schwarzes Doo-Wop-Quartett, dessen größter Hit “Earth Angel” gerade die Billboard-Charts erreicht hatte. Der Song war ein früher “Cross-Over”-Hit, dessen Popularität die Grenze zwischen schwarzem und weißem Radiopublikum durchbrach. Bo Diddley, Etta James, Fats Domino, Frankie Lyman and the Teenagers und Dutzende anderer Künstler folgten im State, alle mit weißen Acts wie Bill Haley and His Comets, Jerry Lee Lewis und Buddy Holly auf derselben Rechnung.

Hartford Courant Werbung für die “Rhythm & Blues Revue”, 20. November 1955.

Rassenspannungen nehmen 1955 zu

In dem Jahr, in dem zwei weiße Männer den vierzehnjährigen Emmett Till in Mississippi lynchen, nahmen die Rassenunruhen zu. 1955 nahmen die Behörden Rosa Parks in Montgomery, Alabama, fest und lösten damit den berühmten Busboykott aus. Am 1. August 1955 entließ das Georgia Board of Education alle Lehrer, die Mitglied der NAACP waren.

Im selben Zeitraum berichtete die Bürgerrechtskommission des Staates Connecticut, dass es „für einen Neger praktisch unmöglich war, ein Haus in einem weißen Viertel zu mieten“. . Alphabetisierungstests für die Stimmabgabe waren noch Teil des Landesrechts. Zwei erfahrene Elektriker, beide Afroamerikaner, kämpften fünf Jahre lang darum, einer rein weißen Gewerkschaft beizutreten, um in ihrem Handwerk zu arbeiten. Laut einer Umfrage unterstützten nur 20 Prozent der weißen Bevölkerung von Connecticut die vollständige Integration der Rassen.

Es war bemerkenswert, dass die lokale Presse schwarze Rock-and-Roller, die in die Stadt kamen, nicht nach ihrer Rasse identifizierte. Stattdessen beschrieben sie sie durch ihren besonderen Musikstil – sowohl in bezahlten Anzeigen als auch in Konzertkritiken. In fast allen anderen Fällen bezeichneten Zeitungen dieser Zeit Afroamerikaner als „farbig“ oder „Neger“, insbesondere wenn sie ein Verbrechen melden.

Das heißt nicht, dass die weiße Mehrheit von Connecticut mit der frühen Rockmusik zufrieden war. Rassistische Pressekommentare waren häufig und verwendeten nicht allzu subtile Codewörter. Rock and Roll war “jungle stuff”, schrieb ein lokaler Kritiker. Laut Dr. Francis Braceland, dem Leiter des exklusiven Institute for Living in Hartford, war es “kannibalistisch” und “tribalistic”.

Die erste offizielle Razzia gegen Rock'n'Roll fand am 19. März 1955 statt. Die Polizei stoppte ein New-Haven-Festival “, als es schien, als würden die Tänzer außer Kontrolle geraten.” Die Konzertbesucher waren alle über 21 Jahre alt und die Verkäufer verkauften legal Bier. aber es waren die “hemmten” und “touchy” Tänze, die die Behörden wirklich zu stören schienen. “Das wird es nicht mehr geben,”, sagte Chief Francis McManus. Bridgeport verbot daraufhin alle Rock-Events, von denen drei Veranstalter bereits für April geplant waren. Im Gegensatz zu diesen Razzien, als der Polizeichef von Hartford vorschlug, Rock'n'Roll zu verbieten (nach acht Festnahmen bei einem Konzert wegen Kämpfen), verurteilte Stadtrat James Kinsella den Vorschlag nachdrücklich als "Zensur".

Alan Freed hilft bei der Integration des Rock'n'Roll-Publikums

1957 Topps-Sammelkartenbild von Alan Freed – “Mr. Rock ‘N’ Roll.”

Ein Mann, mehr als jeder andere, erwies sich als verantwortlich für die Integration des Rock'n'Roll-Publikums in Connecticut. Alan Freed, ein Discjockey aus Cleveland, spielte 1951 zum ersten Mal Rhythm & Blues (R & B oder “Race Music”). Bis zu diesem Zeitpunkt blieb die Musik weitgehend in der schwarzen Community. Nur wenige Monate vor dem ersten Hartford-Event erlangte Freed nationale Aufmerksamkeit für ein riesiges integriertes Konzert in New York. Er war häufig in Hartford und fungierte bei jedem Konzert, das er produzierte, als Zeremonienmeister. “Mr. Rock and Roll” wurde so populär wie die von ihm geförderten Gruppen.

Viele schreiben Freed auch die Prägung des Begriffs “rock and roll zu.” Während einige Kritiker die Musik als “noise bezeichneten, verstand Freed die historischen Wurzeln des Rock. Die Musik ‚begann auf den Deichen und Plantagen‘, erklärte er. “Es nahm Volkslieder auf und beinhaltet Blues und Rhythmus. Es ist der Rhythmus, der die Kinder erreicht.” Der umstrittene DJ wird heute für seine Rolle im Payola-Skandal, einem Pay-for-Play-Schema mit den Plattenfirmen, in Erinnerung gerufen. Aber sein Vermächtnis ist wirklich der Pionier des Rock'n'Roll im Radio und seine erfolgreichen Bemühungen, eine neue Generation von Jugendlichen zu integrieren.

Das Staatstheater schloss 1960 seine Pforten und zwei Jahre später wurde es von Arbeitern abgerissen. Alan Freed starb 1965. Er gehörte zu den ersten Eingeweihten – schwarz und weiß – in die Rock and Roll Hall of Fame in Cleveland.


  • Verlag &rlm : &lrm Collectables Press 1. Auflage (19. Februar 2007)
  • Sprache &rlm : &lrm Englisch
  • Taschenbuch &rlm : &lrm 400 Seiten
  • ISBN-10 &rlm : &lrm 0977379809
  • ISBN-13 &rlm : &lrm 978-0977379804
  • Artikelgewicht &rlm: &lrm 1,6 Pfund

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Nach einem Besuch bei einem Radiosender hier in St.Louis, als ich acht Jahre alt war, beschloss ich, "im Radio" zu sein. Einer meiner frühesten Einflüsse - der mich in die Kraft von "Rhythm & Blues" einführte, die sich mit Country und anderen Formen zu "Rock & Roll" vermischten, war Alan Freed.

In diesem Buch beschreibt John A. Jackson nicht nur den Aufstieg des Rock & Roll in unser kulturelles Erbe, sondern auch den Aufstieg und Fall eines seiner frühen Schöpfer und ikonischen Pioniere des Äthers, des Mannes, der als "Mr. Rock & Roll" bekannt wurde ": Alan befreit.

Das Buch war ein gewaltiges Unterfangen, ist historisch mit Notation-nach-Notation dokumentiert und ist ein absolutes "Muss", wenn Sie etwas über die Anfänge der "Rock & Roll Radio Personalities" erfahren möchten, die Geschichte, warum und wie sie erworben wurden die Macht, die sie machten, wie die Plattenlabels und die Musikindustrie zu der gesamten Landschaft beigetragen haben, die wir hörten, und wie viele der Künstler schlecht behandelt wurden. obwohl sie ihre Chefs reich machten.

Kaufen Sie das Buch, lesen Sie es, genießen Sie es und erfahren Sie vor allem, wie das, was wir heute hören, seine Wurzeln im Gestern hat. und wie Alan Freed, der die Phrase "Rock & Roll" zu einem unauslöschlichen Teil unseres Musikvokabulars gemacht hat, ein so großer Teil des Prozesses war.


Inhalt

Freed wurde in Windber, Pennsylvania, als Sohn eines russisch-jüdischen Einwanderervaters Charles S. Freed und einer walisisch-amerikanischen Mutter Maude Palmer geboren. 1933 zog Freeds Familie nach Salem, Ohio, wo Freed die Salem High School besuchte und 1940 seinen Abschluss machte. Während Freeds High School war, gründete er eine Band namens Sultans of Swing, in der er Posaune spielte. Freeds ursprünglicher Ehrgeiz war es, Bandleader zu werden, doch eine Ohrenentzündung machte diesem Traum ein Ende. [ Zitat benötigt ]

Während seines Studiums an der Ohio State University interessierte sich Freed für das Radio. Freed diente während des Zweiten Weltkriegs in der US-Armee und arbeitete als DJ im Armed Forces Radio. Kurz nach dem Zweiten Weltkrieg erhielt Freed Sendejobs bei kleineren Radiosendern, darunter WKST (New Castle, PA), WKBN (Youngstown, OH) und WAKR (Akron, OH), wo er 1945 zu einem lokalen Favoriten für heißes Spielen wurde Jazz- und Popaufnahmen. Freed hörte sich diese neuen Stile gerne an, weil er die Rhythmen und Melodien mochte.

Freed war der erste Radio-Discjockey und Konzertproduzent, der häufig Rock'n'Roll spielte und förderte. (Der Begriff existierte bereits und wurde bereits 1946 von Billboard (Magazin) verwendet, blieb aber unklar.) [7]

Mehrere Quellen deuten darauf hin, dass er den Begriff (als Euphemismus für Geschlechtsverkehr) zuerst auf der Platte Sixty Minute Man von Billy Ward and his Dominoes entdeckte. [8] [9] Der Text enthält die Zeile "I rock 'em, roll 'em all night long", [10] jedoch akzeptierte Freed diese Inspiration (oder die Bedeutung des Ausdrucks) in Interviews nicht und erklärte Er sieht den Begriff wie folgt: „Rock 'n Roll ist wirklich Swing mit einem modernen Namen. [11]

Er half, die Kluft der Segregation unter jungen Amerikanern im Teenageralter zu überbrücken, indem er Musik von schwarzen Künstlern (anstelle von Coverversionen von weißen Künstlern) in seinem Radioprogramm präsentierte und Live-Konzerte mit einem rassisch gemischten Publikum arrangierte. [12] Freed erschien in mehreren Filmen als er selbst. Im Film von 1956 Rock, Rock, RockFreed erzählt dem Publikum, dass "Rock and Roll ein Fluss der Musik ist, der viele Strömungen absorbiert hat: Rhythm and Blues, Jazz, Ragtime, Cowboy-Songs, Country-Songs, Folksongs. Alle haben viel zum Big Beat beigetragen." [13]

WAKR Akron Bearbeiten

1945 trat Alan Freed WAKR (1590 AM) in Akron, Ohio bei und wurde ein lokaler Favorit, der heiße Jazz- und Popaufnahmen spielte. Die Radioredakteurin für die Akron-Leuchtfeuer-Tagebuch gefolgt von Freed und seinem abendlichen Tanzprogramm "Request Review". Als er den Sender verließ, schränkte das Wettbewerbsverbot in seinem Vertrag seine Möglichkeit ein, anderswo Arbeit zu finden, und er war gezwungen, die Friedhofsschicht bei Clevelands WJW-Radio zu übernehmen, wo er schließlich mit der Musik, die er "Rock and Roll" nannte, Geschichte schrieb. . [14]

WJW Cleveland Bearbeiten

In den späten 1940er Jahren, während seiner Arbeit bei WAKR, lernte Freed den Plattenladenbesitzer Leo Mintz aus Cleveland kennen. Record Rendezvous, einer der größten Plattenläden in Cleveland, hatte mit dem Verkauf von Rhythm and Blues-Platten begonnen. Mintz erzählte Freed, dass er ein erhöhtes Interesse an den Platten in seinem Laden bemerkt habe und ermutigte ihn, sie im Radio zu spielen. [15] [16] Freed zog 1951 nach Cleveland, immer noch unter einem Wettbewerbsverbot mit WAKR. Im April wurde er jedoch mit Hilfe von William Shipley, dem Vertriebshändler von RCA in Nord-Ohio, aus dem Wettbewerbsverbot entlassen. Er wurde dann vom WJW-Radio für ein Mitternachtsprogramm engagiert, das von Main Line, dem RCA-Vertriebspartner und Record Rendezvous gesponsert wurde. Freed peppte seine Rede mit Hipster-Sprache auf und strahlte mit einer Rhythm-and-Blues-Platte namens "Moondog" als Titelsong R&B-Hits bis in die Nacht aus. [ Zitat benötigt ]

Mintz schlug vor, Sendezeit beim Cleveland-Radiosender WJW (850 AM) zu kaufen, der ausschließlich R&B-Aufnahmen gewidmet sein würde, mit Freed als Moderator. [15] Am 11. Juli 1951 begann Freed, Rhythm and Blues-Platten auf WJW zu spielen. [17] Während viele Jahre lang R&B-Platten auf leistungsschwächeren, an Afroamerikaner gerichteten Radiosendern in der Innenstadt gespielt wurden, ist dies wohl das erste Mal, dass authentischer R&B regelmäßig auf einem großen Massenpublikumssender gezeigt wurde. Freed nannte seine Show "The Moondog House" und bezeichnete sich selbst als "The King of the Moondoggers". Inspiriert wurde er von einem ausgefallenen Instrumental namens "Moondog Symphony", das vom New Yorker Straßenmusiker Louis T. Hardin alias "Moondog" aufgenommen wurde. Freed nahm die Platte als Titelmusik seiner Show an. Seine On-Air-Art war energisch, im Gegensatz zu vielen zeitgenössischen Radiomoderatoren traditioneller Popmusik, die dazu neigten, gedämpfter und zurückhaltender zu klingen. Er sprach seine Zuhörer an, als wären sie alle Teil eines Schein-Königreichs von Hipstern, vereint in ihrer Liebe zur schwarzen Musik. [17] Er begann auch, den Ausdruck "Rock and Roll" zu popularisieren, um die Musik zu beschreiben, die er spielte. [18]

Später in diesem Jahr förderte Freed Tänze und Konzerte mit der Musik, die er im Radio spielte. Er war einer der Organisatoren einer Fünf-Akt-Show namens "The Moondog Coronation Ball" am 21. März 1952 in der Cleveland Arena. [19] Dieses Ereignis gilt heute als das erste große Rock-and-Roll-Konzert. [4] Menschenmengen nahmen an Zahlen weit über die Kapazität der Arena hinaus, und das Konzert wurde aufgrund von Überfüllung und einem Beinahe-Aufstand vorzeitig geschlossen. [19] Freed erlangte durch den Vorfall eine unbezahlbare Berühmtheit. WJW erhöhte sofort die Sendezeit, die Freeds Programm zugeteilt wurde, und seine Popularität schoss in die Höhe. [17]

Cleveland galt damals in der Musikindustrie als "Breakout"-Stadt, in der nationale Trends erstmals auf einem regionalen Markt auftraten. Freeds Popularität ließ das Popmusikgeschäft auf sich aufmerksam machen. Bald, Bänder von Freeds Programm, Mondhund, begann im Raum New York City über der Station WNJR 1430 (jetzt WNSW) in Newark, New Jersey, ausgestrahlt zu werden. [17] [20]

New Yorker Sender Bearbeiten

Im Juli 1954 wechselte Freed nach seinem Sendeerfolg in Cleveland zu WINS (1010 Uhr) in New York City. Hardin, der ursprüngliche Moondog, reichte 1956 eine Klage gegen WINS auf Schadensersatz gegen Freed wegen Verletzung ein und argumentierte mit einem früheren Anspruch auf den Namen "Moondog", unter dem er seit 1947 komponiert hatte. Hardin kassierte ein Urteil in Höhe von 6.000 US-Dollar von Freed, sowie eine Vereinbarung zum Verzicht auf die weitere Verwendung des Namens Moondog. [21] Freed verließ die Station im Mai 1958 „nach einem Aufstand bei einem Tanz in Boston mit Jerry Lee Lewis“. [22] WINS wurde schließlich ein Rund-um-die-Uhr-Top-40-Rock-and-Roll-Radiosender und blieb es bis zum 19. .

Zuvor, im Jahr 1956, hatte Freed im CBS-Radio aus New York "Alan Freeds Rock 'n' Roll Dance Party" [23] veranstaltet. [24] [25]

Freed arbeitete ab Mai 1958 auch bei WABC (AM), wurde jedoch am 21. November 1959 von dieser Station entlassen [26], nachdem er sich geweigert hatte, eine Erklärung für die FCC zu unterzeichnen, dass er nie Payola-Bestechungsgelder angenommen hatte. [22]

Anschließend kam er zu einer kleinen Station in Los Angeles, KDAY (1580 AM) und arbeitete dort etwa ein Jahr lang. [27]

Film und Fernsehen Bearbeiten

Freed trat während dieser Zeit auch in einer Reihe von bahnbrechenden Rock'n'Roll-Filmen auf. Diese Filme wurden von Teenagern oft mit großer Begeisterung aufgenommen, weil sie visuelle Darstellungen ihrer amerikanischen Lieblingsacts auf die große Leinwand brachten, Jahre bevor Musikvideos dasselbe Bild auf dem kleinen Fernsehbildschirm präsentierten.

Freed erschien in mehreren Filmen, die viele der großen musikalischen Acts seiner Zeit präsentierten, darunter:

  • 1956: Rocken rund um die Uhr mit Freed, Bill Haley & His Comets, The Platters, Freddie Bell und den Bellboys, Lisa Gaye.
  • 1956: Rock, Rock, Rock[28] mit Freed, Teddy Randazzo, Tuesday Weld, Chuck Berry, Frankie Lymon and the Teenagers, Johnny Burnette, LaVern Baker, The Flamingos, The Moonglows.
  • 1957: Herr Rock and Roll mit Freed, Rocky Graziano und Teddy Randazzo, Lionel Hampton, Ferlin Husky, Frankie Lymon, Little Richard, Brook Benton, Chuck Berry, Clyde McPhatter, LaVern Baker, Screamin' Jay Hawkins.
  • 1957: Schlag nicht den Felsen mit Freed, Bill Haley and His Comets, Alan Dale, Little Richard and the Upsetters, The Treniers, Dave Appell and His Applejacks.
  • 1959: Geh, Johnny Geh! mit Freed, Jimmy Clanton, Chuck Berry, Ritchie Valens, Eddie Cochran, The Flamingos, Jackie Wilson, The Cadillacs, Sandy Stewart, Jo Ann Campbell, Harvey Fuqua und The Moonglows. Chuck Berry spielte auch Freeds Kumpel und Kumpel, eine damals bahnbrechende Rolle.

Freed erhielt eine wöchentliche Primetime-TV-Serie, The Big Beat (TV-Programm), die am 12. Juli 1957 auf ABC uraufgeführt wurde würde in der Fernsehsaison 1957/58 fortsetzen. Obwohl die Einschaltquoten für die Show stark waren, wurde sie plötzlich beendet. Das Wall Street Journal fasste das Ende des Programms wie folgt zusammen. "Vier Folgen von "The Big Beat", Freeds TV-Musikserie zur besten Sendezeit auf ABC, sorgte für Aufruhr, als der afroamerikanische Künstler Frankie Lymon im Fernsehen mit einem weißen Zuschauer tanzen sah." Zwei weitere Episoden wurden ausgestrahlt [30], aber die Show wurde plötzlich abgesetzt. [31] Einige Quellen weisen darauf hin, dass die Absage durch einen Aufruhr unter den lokalen ABC-Mitgliedern im Süden ausgelöst wurde. [32] [33]

Während dieser Zeit war Freed in anderen beliebten Sendungen des Tages zu sehen, darunter Die Wahrheit sagen, wo er den neuen "Rock and Roll"-Sound vor den Diskussionsteilnehmern verteidigt, die alle mit Swing-Musik eindeutig vertrauter waren: Polly Bergen, Ralph Bellamy und Kitty Carlisle.

Rechtliche Probleme, Payola-Skandal Bearbeiten

1958 wurde Freed in Boston kontrovers diskutiert, als er dem Publikum sagte: "Es sieht so aus, als würde die Bostoner Polizei nicht wollen, dass Sie eine gute Zeit haben." Infolgedessen wurde Freed verhaftet und wegen Anstiftung zu Aufständen angeklagt und von seinem Job bei WINS entlassen. [34]

Freeds Karriere wurde erheblich beeinflusst, als sich herausstellte, dass er Payola (Zahlungen von Plattenfirmen zum Abspielen bestimmter Platten) akzeptiert hatte, eine Praxis, die zu dieser Zeit sehr umstritten war. Er bestritt zunächst die Einnahme von Payola [35], gab aber später gegenüber seinen Fans zu, dass er Bestechungsgelder angenommen hatte. [36] Freed weigerte sich, während seiner Arbeit bei WABC (AM) eine Erklärung für die FCC zu unterzeichnen, in der er erklärte, dass er nie Bestechungsgelder erhalten habe. [22] Das führte zu seiner Kündigung. [37] [26]

1960 wurde Payola verboten. Im Dezember 1962, nachdem Freed wegen mehrfacher Bestechung angeklagt worden war, bekannte er sich zu zwei schuldig und wurde zu einer Geldstrafe von 300 Dollar und einer Bewährungsstrafe verurteilt. [38] [39]

Es gab auch eine Reihe von Vorwürfen wegen Interessenkonflikten, dass er Co-Credits für das Songwriting erhalten hatte, die er nicht verdiente. [4] Das bemerkenswerteste Beispiel war Chuck Berrys „Maybellene“. Die teilweise Anerkennung erlaubte ihm, einen Teil der Tantiemen eines Songs zu erhalten, die er erhöhen konnte, indem er die Platte in seinem eigenen Programm stark förderte. (Berry war schließlich in der Lage, die Autorenschaft zurückzugewinnen.) In einem anderen Beispiel bestand Harvey Fuqua von The Moonglows darauf, dass Freeds Name nicht nur eine Ehre für das Lied "Sancerely" war und dass er es tatsächlich mitgeschrieben hat (was immer noch ein Interessenkonflikt für Freed zu fördern). Eine andere Gruppe, The Flamingos, behauptete auch, dass Freed fälschlicherweise einige ihrer Songs geschrieben habe. [40]

1964 wurde Freed von einer Grand Jury des Bundes wegen Steuerhinterziehung angeklagt und zur Zahlung von 37.920 US-Dollar an Einkommensteuern verurteilt, die er angeblich nicht gemeldet hatte. Der größte Teil dieses Einkommens soll aus Payola-Quellen stammen. [41]

Am 22. August 1943 heiratete Freed die erste Frau Betty Lou Bean. Sie hatten zwei Kinder, Tochter Alana (verstorben) und Sohn Lance. Sie ließen sich am 2. Dezember 1949 scheiden. Am 12. August 1950 heiratete Freed Marjorie J. Hess. Sie hatten auch zwei Kinder, Tochter Sieglinde und Sohn Alan Freed, Jr.. Sie ließen sich am 25. Juli 1958 scheiden. Am 8. August 1958 heiratete Freed Inga Lil Boling, mit der er keine Kinder hatte. Sie blieben bis zu seinem Tod zusammen. [42]

Wegen der negativen Publizität durch den Payola-Skandal stellte kein angesehener Sender Freed ein, und er zog 1960 an die Westküste, wo er bei KDAY/1580 in Santa Monica, Kalifornien, arbeitete. [27] Im Jahr 1962, nachdem KDAY sich weigerte, ihm zu erlauben, "Rock and Roll"-Bühnenshows zu promoten, zog Freed zu WQAM in Miami, Florida, und kam im August 1962 an. sein Alkoholkonsum nahm zu und der Job dauerte nur zwei Monate. [44]

Im Jahr 1964 kehrte er für einen kurzen Aufenthalt in der Long Beach Station KNOB/97.9 in die Gegend von Los Angeles zurück. [45] [46] [47]

Freed lebte im Viertel Racquet Club Estates in Palm Springs, Kalifornien, [48] Freed starb am 20. Januar 1965 im Alter von 43 Jahren an Urämie und Leberzirrhose, die durch Alkoholismus verursacht wurden dass er 38.000 Dollar wegen Steuerhinterziehung schuldete, aber Freed nicht die finanziellen Mittel hatte, um diesen Betrag zu bezahlen. [38]

Er wurde zunächst auf dem Ferncliff Cemetery in Hartsdale, New York, beigesetzt. [49] Im März 2002 trug Judith Fisher Freed, seine Schwiegertochter, seine Asche in die Rock and Roll Hall of Fame in Cleveland, Ohio. [50] Am 1. August 2014 bat die Hall of Fame den Sohn von Alan Freed, Lance Freed, die Asche dauerhaft zu entfernen, was er auch tat. [51] Die Familie Freed begrub später seine Asche auf dem Lake View Cemetery in Cleveland unter einem jukebox-förmigen Denkmal mit Freeds Bild. [52]

Eine archivierte Probe von Freeds Einführung in der Moondog Show wurde von Ian Hunter in der Eröffnung des mittlerweile klassischen Songs "Cleveland Rocks" aus Hunters Album von 1979 verwendet Mit Schizophrenen ist man nie allein.

Der Film von 1978 Amerikanisches Heißwachs wurde von Freeds Beitrag zur Rock'n'Roll-Szene inspiriert. Obwohl Regisseur Floyd Mutrux einen fiktionalen Bericht über Freeds letzte Tage im New Yorker Radio erstellte, indem er reale Elemente außerhalb ihrer tatsächlichen Chronologie verwendete, vermittelt der Film genau die liebevolle Beziehung zwischen Freed, den von ihm geförderten Musikern und dem Publikum, das zuhörte Sie. Der Film spielte Tim McIntire als Freed und beinhaltete Cameo-Auftritte von Chuck Berry, Screamin' Jay Hawkins, Frankie Ford und Jerry Lee Lewis, die im Aufnahmestudio und in Konzertsequenzen auftraten.

Am 23. Januar 1986 war Freed Teil der ersten Gruppe, die in die Rock and Roll Hall of Fame in Cleveland aufgenommen wurde. [53] 1988 wurde er auch posthum in die National Radio Hall of Fame aufgenommen. [54] Am 10. Dezember 1991 erhielt Freed einen Stern auf dem Hollywood Walk of Fame. [55] Die VH1-Serie Hinter der Musik produzierte eine Episode auf Freed mit Roger Steffens. 1998 ging die offizielle Website von Alan Freed mit dem Sprungstart aus den Archiven von Brian Levant und Michael Ochs sowie einer Homepage-Biografie von Ben Fong-Torres online. Am 26. Februar 2002 wurde Freed bei den Grammy Awards mit dem Trustees Award ausgezeichnet. 2017 wurde er in die National Rhythm & Blues Hall of Fame in Detroit, Michigan, aufgenommen.

Freed wurde als Charakter in Stephen Kings Kurzgeschichte "You Know They Got a Hell of a Band" [56] verwendet und von Mitchell Butel in seiner Fernsehadaption für die Albträume und Traumlandschaften Miniserie. [ Zitat benötigt ] Er war Gegenstand eines Fernsehfilms von 1999, Mr. Rock 'n' Roll: Die Geschichte von Alan Freed, mit Judd Nelson in der Hauptrolle und unter der Regie von Andy Wolk. [57] Der Film von 1997 Lügen erzählen in Amerika spielt Kevin Bacon als Discjockey mit einer losen Ähnlichkeit mit Freed. [58] Jack Macbrayer porträtiert Freed in der Comedy Central-Show Drunk History in einem Segment über Freeds Vermächtnis. Das Maskottchen Moondog der Cleveland Cavaliers ist zu Ehren von Freed benannt. [56]

Freed wird im Song "Do You Remember Rock 'n' Roll Radio" der Ramones erwähnt. als eines der Idole der Band. [56] Andere Songs, die sich auf Freed beziehen, sind "The King of Rock 'n Roll" von Terry Cashman und Tommy West, "Ballrooms of Mars" von Marc Bolan, "They Used to Call it Dope" von Public Enemy, "Payola Blues" von Neil Young, "Done Too Soon" von Neil Diamond, "The Ballad of Dick Clark" von Skip Battin, einem Mitglied der Byrds, und "This Is Not Goodbye, Just Goodnight" von Kill Your Idols.

Freeds Bedeutung für das Musikgenre wird durch seine Aufnahme in die Rock and Roll Hall of Fame und seinen Stern 1991 auf dem Hollywood Walk of Fame bestätigt. Der DJ wurde 1988 auch in die Radio Hall of Fame aufgenommen. Auf der Webseite der Organisation heißt es, dass "Trotz seiner persönlichen Tragödien Freeds Innovationen dazu beigetragen haben, Rock'n'Roll und das Top-40-Format zu festen Bestandteilen des Radios zu machen". [59]

Das Wall Street Journal im Jahr 2015 erinnerte an "Freeds beträchtlichen Beitrag zum Rock 'n' Roll und zur toleranteren Sicht der Teenager auf Integration in den 1950er Jahren". Die Veröffentlichung lobte die Hilfe, die er „Hunderten von Schwarz-Weiß-Künstlern“ gewährte, und sagte, dass „seine unermüdlichen Bemühungen dazu beigetragen haben, Tausende von Arbeitsplätzen für Studiomusiker, Ingenieure, Plattenproduzenten, Konzertveranstalter und Instrumentenhersteller zu schaffen“. [60]

Eine Quelle sagte, dass "kein Mann in so kurzer Zeit so viel Einfluss auf die kommende Kultur unserer Gesellschaft hatte wie Alan Freed, der wahre King of Rock n Roll". [61] Eine andere Quelle fasste seinen Beitrag wie folgt zusammen: [62]

Alan Freed hat sich als erster bedeutender Rock 'n' Roll-Discjockey einen Platz in der amerikanischen Musikgeschichte gesichert. Seine Fähigkeit, die aufkommenden schwarzen Musikstile der 1950er Jahre für ein weißes Mainstream-Publikum zu erschließen und zu fördern, wird als wichtiger Schritt in der zunehmenden Dominanz des Rocks über die amerikanische Kultur angesehen.


Der Drugola-Skandal

WASHINGTON, 20. Juni – Hat uns die Qual von Watergate nichts über den Umgang mit Skandalen gelehrt?

Das Columbia Broadcasting System, ein Unternehmen, das in vielen Unternehmen tätig ist, verdiente im vergangenen Jahr 82 Millionen US-Dollar. Sein am schnellsten wachsendes Profit Center, das fast 30 Prozent des Ergebnisses ausmacht, ist der Geschäftsbereich, der C.B.S. Schallplatten und Tonbänder.

C.B.S. ist bei weitem der größte Produzent von Schallplatten und Tonbändern in der von Jugendlichen dominierten Musikwelt, einer Branche, die jährlich Einnahmen von 2 Milliarden US-Dollar erzielt – mehr als der gesamte Profisport und die gesamte Filmindustrie zusammen. Grand Jurys und Staatsanwälte versuchen nun herauszufinden, ob die Musikindustrie von einem höheren Dollarvolumen an Käuflichkeit und Korruption durchdrungen ist, als es in der amerikanischen Wirtschaftsgeschichte je gesehen wurde.

Die untersuchte Unternehmenskorruption umfasst die altmodische Payola – Bestechung von Diskjockeys durch Plattenfirmen – mit einer neuen ethnischen Falte: One C.B.S. Records Executive hat Berichten zufolge einer Grand Jury mitgeteilt, dass 250.000 US-Dollar in bar an Diskjockeys geflossen sind, die ihr Programm an ein schwarzes Publikum richten.

Aber die Rückkehr von Payola, selbst in beispiellosem Ausmaß, ist nicht die ganze Geschichte: Bundesermittler untersuchen den Konsum harter Drogen – Kokain und Heroin – durch Musikgeschäftsleute, um ihre Vertriebsstellen zu bestechen oder ihre Entertainer.

Das Federal Bureau of Narcotics and Dangerous Drugs hat bei der Untersuchung von Pasquale Fal cone, einem renommierten Gangster aus New Jersey, der am 7. Februar wegen Drogendelikten angeklagt wurde, die erste Spur ans Licht gebracht , dessen Papiere zu David Wynshaw führten, bis vor kurzem Director of Artist Relations bei CBS Gruppe Rekorde.

Seither wurden mindestens drei offizielle Ermittlungen wegen des Konsums von Kokain und anderen Drogen als neue Form der Payola im Musikgeschäft eingeleitet, zusammen mit der Mafia bei der Filterung des Vertriebssystems der Musikindustrie.

Zu Beginn der vielleicht zweitmassivsten Vertuschung der letzten zwölf Monate hat C.B.S. feuerte den Präsidenten der Plattenabteilung, Clive Davis, und verklagte ihn in einem kuriosen Prozess mit dem Äquivalent der Musikwelt, auf den Bürgersteig zu spucken: der Firma 94.000 Dollar an falschen Ausgaben zu verrechnen.

Der Krebs im Musikgeschäft steckt nicht in gepolsterten Spesenkonten, und die panischen Männer, die C.B.S. Heute weiß man, was die Sänger Janis Joplin und Jimi Hendrix an Krebs tötete – die neue Währung der Plattenindustrie, harte Drogen.

Welche Aktion hat C.B.S. so weit gebracht? Um eine Verteidigung gegen Klagen von Aktionären aufzubauen, hat sie Mr. Davis entlassen und verklagt, um den Anschein einer Selbstuntersuchung zu erwecken, sie hat ihre reguläre Anwaltskanzlei Cravath, Swaine & Moore gebeten, herumzustöbern, aber der vorsitzende Partner des Gesetzes Firma ist Roswell L, Gil ?? der zufällig auch eines der besten und klügsten Mitglieder des Vorstands von C.B.S.

Die Männer von Black Rock (wie das dunkle Granitgebäude, in dem sich das C.B.S.-Hauptquartier befindet, liebevoll genannt wird) könnten nicht düsterer sein. Anstatt legale Barrikaden zu errichten und „alte Gesichter“ einzubringen, um C.B.S. Aufzeichnungen, C.B.S. Chairman und Chief Executive Officer William Paley sollte sich an die Männer von C.B.S. bestens gerüstet, um Fakten aufzuspüren und Skandale aufzudecken.

Ich würde gerne hören, wie Dan Rather einen Beamten des Bureau of Narcotics and Dangerous Drugs über die bisherigen Erkenntnisse befragt und Dan Schorr auf den Stufen des Gerichtsgebäudes in Newark über die neuesten Lecks aus dem Grand Jury-Raum berichtet über die Durchdringung der Plattenindustrie durch Drogenhändler der Mafia.

Sehr viele Amerikaner würden Vertrauen in unser System gewinnen, wenn sie Walter Cronkite einen knallharten Dokumentarfilm – „The Selling of Rock Music“ – erzählen hören würden, der nichts gegen die Beteiligung glattgesichtiger Madison‐Avenue‐Führungskräfte anstellen würde die illegale Weitergabe von Bargeld und würde diejenigen aufspießen, die als Rechtfertigung eine Perversion der Loyalität gegenüber dem Team geltend machen.